Lachenmann Art

Katharina Arndt

Katharina Arndt, #basics(kitchen), 2018, 100x75cm, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, checkcheck (fruits), 2018, 100x75cm, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, being weak, 2017, 125x125x5cm, strass-plexi
Katharina Arndt, losing control, 2017, 113x80cm, strass, plexi, chains
Katharina Arndt, buy now, 2013, 40x100x5cm, strass-plexi, print
Katharina Arndt, shop online, 2013, 30x120x8cm, strass, laquor, styrodur
Katharina Arndt, diamant, 2017, 50x45cm, light hose, MDF, acrylic
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #1, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #10, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #11, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #12, 2016, 30x21cm, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #13, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #14, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #15, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #17, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #18, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #19, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #20, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #21, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #23, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #24, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #25, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #26, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #27, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #28, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #29, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #3, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #30, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #4, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #5, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #6, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #7, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #9, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, final girl  22, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  23, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  24, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  25, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 27, 130x100cm, 2018, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 28, 130x100cm, 2018, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 29, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, GOOGLE yourself, 2015, 5-teilig, jeweils 110 x 90 cm, Klebefolie, Aludibond, Sprühfarbe
Katharina Arndt, my therapist said..., 2011, 20 x 120 cm, LEDs, Acrylglas,  Widerstände, Netzteil, Ketten
Katharina Arndt, shop the pain away, 2013, 90 x 140 x 5 cm, Strasssteine auf Acrylglas, Ketten
Katharina Arndt, still life with meat #28, 2017, 180 x 135 cm, Marker und Acrylfarbe auf Lackstoff
Katharina Arndt,not cry in public, 2011, 85 x 108 cm, LEDs, Acrylglas,  Widerstände, Netzteil, Ketten

Katharina Arndt lives and works in Berlin

born in 1977 in Oschatz, Germany


Group Exhibitions     


Art fairs


Education

2000—2005 study of Fine Arts at HBK Braunschweig

2006 Master of Fine Arts by John Armleder

Solo Exhibitions (Selection)

2016    Virtual Reality, ARD Hauptstadtstudio, Berlin, DE

2016    Final Girl, FB69 Galerie Kolja Steinröter, Münster, DE

2016    Eve+Adam, FB69 Galerie, Köln, DE

2016    Not Cry in PublicLarry, Berlin, DE

2014    Bored to death in Paradise, Gallery Majke Hüsstege, Hertogenbosch, NL

2014    No Hell - No Heaven, Hornsleth & Friends Gallery, Kopenhagen, DK

2013    Losing Control, FB69, Münster, DE

2011    My Therapist said..., FB69 Cologne, Köln, DE

2011    Beauty is the hardest drug, Two Window Project, Berlin, DE

2010   Once upon a time, bar babette, Berlin, DE

2010   Everything looks smaller from above, projekthaus, Hamburg, DE

Group Exhibitions (Selection)

2018    Sneaky Paradise, Lachenmann Art, Konstanz, DE

2017    Let´s buy it! - Kunst und Einkauf, Ludwiggalerie, Schloss Oberhausen, DE

2017    Ladies Night, Feinkunst Krüger, Hamburg, DE

2015    Fleischeslust, Museum Villa Rot, Burgrieden, DE

2015    Flesh & Blood, galerie t, Düsseldorf, DE

2015    von oben sieht alles kleiner aus, Kunsthaus Dahlem, Berlin, DE

2015    Death & Sexuality II, Schaufenster, Berlin, DE

2015    Saloon, Sexauer, Berlin, DE

2015    Death & Sexuality, FB69, Münster, DE

2014    Money works Part 2, Haus am Lützowplatz, Berlin, DE

2014    La Collectiva, galerie t, Düsseldorf, DE

2014    Crows, FB69, Münster, DE

2013    Pan Amsterdam, Gallery Majke Hüsstege, Amsterdam, NL

2013    You should be..., Petra Rietz Galerie, Berlin, DE

2012    End of the World, FB69, Münster, DE

2012    Last Orders, dorisberlin, Berlin, DE

2011     Zeitenwende, ARD Hauptstadtstudio, Berlin, DE

2011     The dead Girls Litany, FB69, Münster, DE

2011     ...so ein verschwenderisches Gefühl, dorisberlin, Berlin, DE

2010    Keep the Illusion alive, Videoholica, Varna, Bulgaria

2010    MOV, plusnull, Leipzig, DE

2010    Nadelarbeit, Vertretung des Landes Niedersachsen, Berlin, DE

Die letzte Überlebende

Auf den ersten Blick jung und schön, auf den zweiten aber bereits kühl oder sogar autoritär: In den Werkreihen „Final Girls“ und „Faye Dunaway“ portraitiert Katharina Arndt anhand von Filmstills die letzten (durchweg weiblichen) Überlebenden berühmter Horrorfilme wie zum Beispiel Halloween, Scream, Alien und Texas Chainsaw. Die Künstlerin greift damit ein popkulturelles Motiv auf, das in den 70er Jahren als Gegenmodell zur „Jungfrau in Nöten“ auftrat und erstmals 1992 von der amerikanischen Filmwissenschaftlerin Carol J. Clover beschrieben wurde. Die Frauen treten dabei sowohl als Personifikation von Angst auf, triumphieren aber dennoch am Ende des jeweiligen Films durch ihre rabiate bis brutale Intelligenz und Handlungsbereitschaft. Arndt reflektiert hier ein Momentum des sich verändernden Rollenverständnisses beziehungsweise Frauenbildes im letzten Drittel des 20. Jahrhunderts.

In den Werken männlicher Künstler erscheinen grausame Frauen, Femmes fatales, oftmals als deren Alb- und/oder Wunschtraum. Ein Beispiel ist der Topos der brutalen und hoch sexuell aufgeladenen Amazone. Die Frau wird schnell zum Abbild männlicher Fantasie respektive patriarchalischer Kulturen und Projektionsfläche für die beiden Pole menschlichen Seins, wie Freud sie beschrieb: Todessehnsucht und Libido.
Dem gegenüber stehen die Arbeiten von Künstlerinnen wie Artemisia Gentileschi, in denen die biblisch ikonografischen Protagonistinnen als autonome, autarke, selbstreflektierende Frauen charakterisiert werden. Ein vielschichtiges Frauenbild wird vermittelt das sich einer einfachen Einordnung (Jungfrau oder Hure) widersetzt.

Bei Arndt werden die Frauen zu Hybriden, zu einer Synthese aus klassischerweise männlich und weiblich konnotierten Charaktereigenschaften und somit zu unkontrollierbaren Über-Menschen. Durch die Technik der Künstlerin, ihre skizzenhafte Reduktion, und die verwendeten kühlen Materialien bleiben die Motive trotz ihrer Portraithaftigkeit ihrem ursprünglichen popkulturellen Hintergrund verbunden. Es entstehen ambivalente Bezüge zwischen Individuum und Massenprodukt. Die Künstlerin trägt auf diese Weise ihren Teil zur Genderdebatte bei, der Komplexität und Vielschichtigkeit vor ein überholtes Geschlechter-Schubladen-Denken stellt.


—Theresa Brauer


Im Glanz der digitalen Dekadenz

Leuchtende Slogans, funkelnder Strass und glänzender Autolack: In Katharina Arndts Arbeiten zählt die anziehende Oberfläche als treffendstes Sinnbild für das Leben im digitalen Zeitalter. In der hyperrealen und zugleich immateriellen Onlinewelt kommt es nur auf das visuelle Erscheinungsbild an – das von uns selbst und von den Produkten, die wir kaufen sollen. In ihren Werken überspitzt und ironisiert die Künstlerin die zeitgenössische Massenkonsum-Ästhetik einer dekadenten Überflussgesellschaft und bringt die Dinge an die strahlende Oberfläche, die es im Kaufrausch zu verdrängen gilt, unsere Sorgen und Ängste, vor allem die vor der eigenen Vergänglichkeit. Dafür schafft Katharina Arndt glitzernde Slogans wie SHOP THE PAIN AWAY, inszeniert Wurst und Fleisch in Neonfarben auf schwarzem Glanzstoff oder verewigt GOOGLE in Marmorfolie.

TEXTOBJEKTE


Coole Sprüche und aktuelle Weisheiten inszeniert Katharina Arndt objekthaft in glitzernden oder leuchtenden Schriftzügen. Durch die funkelnden Strasssteine oder farbigen LEDs erhalten die Worte eine starke visuelle Präsenz. Jedoch weisen Licht und spiegelnde Flächen eine kaum vorhandene physische Materialität auf, die das Gewicht der Inhalte gleichsam wieder aufhebt.


LIGHTWORKS


Katharina Arndts leuchtende Satzfragmente greifen aktuelle Schlagworte auf, die die Künstlerin fernab des ursprünglichen Kontextes präsentiert. Arbeiten wie „my therapist said…“ oder „you should be“ thematisieren den Verlust und die Suche nach Identität besonders vor dem Hintergrund von Social Media-Plattformen im Internet, die immer wieder andere Formen der Selbstinszenierung verlangen. Ähnliches gilt für den zwei Meter hohen Schriftzug aus Neonröhren der Arbeit „FOLLOW ME“, der entweder ins Nichts oder im Kreis herum führt. Weitere Arbeiten wie „Who cares“ oder „That’s not my problem“ versinnbildlichen die zeitgenössische Selbstfokussierung und den damit einhergehenden Empathieverlust. In „A poem for Gero“ verweisen die Worte TV, Cheeseburger, Latest Movie und Sale auf grundlegende Elemente der zeitgenössischen Kultur des Massenkonsums. Die aus unterschiedlichen Lichtquellen sowie durchsichtigem Plexiglas bestehenden Arbeiten weisen eine ephemere Qualität auf, in der sich auch die Kurzlebigkeit der Wortinhalte widerspiegelt. Katharina Arndts Arbeiten werden zu einem Sinnbild für die Vergänglichkeit des digitalen Zeitalters, dessen Informationen ebenfalls immateriell verfügbar sind und deren Langlebigkeit keinesfalls gesichert ist.


SCHRIFTEN AUS STRASS

Die Textobjekte aus glitzernden Strasssteinen kritisieren die essentielle gesellschaftliche Bedeutung der Konsumkultur. In „Produce / Consume / Die“ verkommt der Lebenskreislauf zum Warenkreislauf und in „SHOP THE PAIN AWAY“ verweist die Künstlerin auf den Irrglauben des glückbringenden Einkaufserlebnisses und damit auf die zeitgenössische Positivgesellschaft, in der negative Gefühle und Ängste verdrängt werden, weil sie nicht marktauglich verwertet werden können. Diese Tendenz verstärkt sich durch die virtuelle Welt des Internet, da dort nur das attraktive visuelle Erscheinungsbild eines Produktes zählt. Darauf zielen auch Katharina Arndts Arbeiten „Shop online“, „click here“ und „BUY NOW“ ab, deren einziger Inhalt die Worte auf digitalen Schaltflächen sind, die zum Kauf anregen sollen. Diese banalen Internetslogans überführt die Künstlerin monumental ins Materielle und verewigt die virtuelle Konsumwelt ironisch in physischer Greifbarkeit. Somit stellen die Arbeiten auch eine sarkastische Anspielung auf den Kunstmarkt dar, deren Werte sich an großen Namen und Hypes orientieren, statt sich auf die Inhalte der Werke zu konzentrieren.


MARMOR WANDRELIEFS


Auf Platten aus Alu-Dibond bringt Katharina Arndt Plastikfolie auf, die die Oberfläche von teurem Marmor imitiert. Darauf verewigt sie reliefartig triviale Satzfragmente wie SAVE THE WORLD, ergänzt um den Zusatz „…I’m not in the mood to“, den die Künstlerin mit handelsüblicher Graffiti-Sprühfarbe in einer Schicht aufträgt. In weiteren Arbeiten wie „SMILING…when required“ oder „BORED TO DEATH….in paradise“ versammelt die Künstlerin weitere Kontrastpaare. Sie verdeutlichen die Ich-Bezogenheit unseres Handels abhängig von der eigenen Stimmung sowie eine dekadente, weil übersättigte und zugleich gelangweilte Gefühlslage In der Serie „GOOGLE yourself“ mit Arbeiten wie „Who am I…GOOGLE.. yourself“ oder „SELFIE + ugly = SUGLIE“ ironisiert Katharina Arndt die Problematik der Selbstfindung und Identitätsbildung in Abhängigkeit von der googlebaren Online-Identität. In „LIVE on youtube“ und „TV ? turn on my netflix“ der Serie „virtual REALITY“ spielt die Künstlerin mit der Bedeutung von aktuellen Trends und ihrer medialen Vergänglichkeit. Der Fernseher hat in Zeiten von Online-Filmportalen wie Netflix ausgedient. Die fragile Materialität der künstlerischen Objekte spiegelt diesen Zustand wider, da sie steinerne Massivität lediglich vortäuschen. Die Arbeiten erinnern formal an Gedenktafeln, die die Bedeutung von Vergangenem aufrechterhalten sollen. Hier erweisen sie sich als genauso brüchig wie die auf ihnen dargestellten Inhalte und Werte.


ZEICHNUNGEN


STILL LIFE WITH MEAT


In der Serie „Still Life With Meat“ zeichnet Katharina Arndt Wurst- und Fleischwaren mit grellen Markierstiften und Acrylfarbe auf schwarzen Lackstoff. Linien in Rosa-, Gelb-, Orange-, Rot- und Weißtönen formen die glatten, idealisierten Motive. Sie erscheinen durch und durch komponiert wie altmeisterliche Stillleben, doch beruhen sie auf Vorlagen zeitgenössischer Konsumbilder und erinnern an prall gefüllte Wursttheken. Die gedankliche Vorlage für die Serie beruht auf der „Grillbibel“ des Luxusgrill-Herstellers Weber. Der mit zahlreichen Bildern von feinsäuberlich drapiertem, glänzendem Fleisch gefüllte Band symbolisiert die Dekadenz des unstillbaren Hungers der (westlichen) Konsumgesellschaft. Sie bildet den Gegenpol zum ebenfalls extremen Kult des veganen Lebens. Beide symbolisieren auf die Spitze getriebene Egotrips einer von der Natur entfremdeten Überflussgesellschaft. Somit versteht sich der gehäutete Kopf des toten Lamms auf „Still Life With Meat #19“ als doppeldeutige Anspielung auf das christliche Symbol des Lamm Gottes, das hier nicht geopfert wird, um die Sünden der Welt hinweg zunehmen, sondern um dem Konsumkult zu frönen.


FAYE DUNAWAY ON MONDAYS


Rauchende und trinkende Frauen, gewaltbereit mit geschwungenen Äxten oder gezückten Messern, heben sich in reinen, weißen Linien von der schwarz-glänzenden Bildfläche ab. In der Serie „Faye Dunaway on Mondays“ verarbeitet Katharina Arndt verschiedene filmische Vorlagen, vor allem aus „Barfly“, in dem Faye Dunaway eine Alkoholikerin spielt. Die Künstlerin hinterfragt die emanzipatorische Bedeutung von popkulturellen Darstellungen selbstbewusster und starker Frauen, deren aktive Rolle an negativ konnotierte Eigenschaften, brutale Verhaltensweisen oder erotische Körperlichkeit geknüpft ist.


Die Arbeiten von Katharina Arndt erscheinen als Fetische einer Konsumkultur, die die Künstlerin gleichsam kritisiert. Mainstream-Materialien erzeugen farbig-glänzende Oberflächen, die das Erscheinungsbild und damit das visuelle Diesseits im digitalen Zeitalter in den Vordergrund rücken. Die individuelle Fokussierung auf das Hier und Jetzt stellt die Künstlerin in ihren Arbeiten auf den Prüfstand, indem sie Formen von Körperkult, Fitness, Fleisches- und Konsumlust als Symbole für eine ichbezogene Lebendigkeit in einer Positivgesellschaft verwendet, die dem Gedanken and die eigene Vergänglichkeit entgegenstehen. Diese gegensätzliche Polarität kommt in vielen Arbeiten der Künstlerin zum Ausdruck, etwa wenn sie mit Plastikfolie eine steinerne Oberfläche vortäuscht, liebliche Stickmuster mit derben Schimpfwörtern versieht, Tattoos als Ausdruck von individueller Identität wegretuschiert oder Phrasen des Zeitgeistes in göttliches Licht taucht. Sie findet sich auch im zwiegespaltenen Frauenbild einiger Arbeiten wieder, das emanzipierte, aktive und selbstbewusste Persönlichkeiten zeigt, die doch stets an negative Eigenschaften wie Rauchen oder Trinken, brutale Verhaltensweisen oder erotische Körperlichkeit geknüpft sind. Katharina Arndts Arbeiten reflektieren zahlreiche Ebenen der Popkultur und symbolisieren mit ihrer glatten Ästhetik der unbefleckten Oberfläche nicht nur eine positivistische Konsumentenkultur, sondern vor allem die psychologische Verfasstheit der Gesellschaft.

Durch die Verwendung und Miteinbeziehung popkultureller Materialien und Inhalte als grundlegende Elemente ihrer Arbeiten, kreiert Katharina Arndt eine Bezugsebene für die Betrachter, auf der die eigenen Wertvorstellungen hinterfragt werden können: Bin ich einverstanden mit dem Frauenbild, das mir vorgesetzt wird? Sollte ich wirklich auf meinen Therapeuten hören? Macht es Sinn, shoppen zu gehen, um meine Sorgen zu verdrängen? Sollte mein Leben aus Viagra und Valium bestehen? Sollte ich mich verführen lassen von den glänzenden Oberflächen der digitalen Dekadenz?

 

—  Tina Sauerländer

Last woman standing

Young and beautiful at first glance, but cool or even authoritarian at second: in the series "Final Girls" and "Faye Dunaway" Katharina Arndt portrays the last (without exception female) survivors of famous horror films such as Halloween, Scream, Alien and Texas Chainsaw on the basis of film stills. The artist takes up a pop-cultural motive that appeared in the 1970s as counter-model to the "Virgin in Need". It was first described by the American film scholar Carol J. Clover in 1992. The women appear as personification of fear, but nevertheless they triumph at the end of the respective film through their rough to brutal intelligence and willingness to act. Arndt reflects a momentum of the changing understanding of roles and the image of women in the last third of the 20th century.

In many works of male artists cruel women, femmes fatales, often appear as their nightmare and/or dream. One example is the topos of the brutal and highly sexually charged Amazon. A woman quickly becomes the image of male fantasy or a reflection of patriarchal cultures thus projection screen for the two poles of human existence, as Freud described them: longing for death and libido.
In contrast, there are works of (female) artists such as Artemisia Gentileschi, in which the biblically iconographic protagonists are characterized as autonomous, self-sufficient, self-reflective women. These works impart a complex image of women that resists simple classification (virgin or whore).

Arndt depicts women who become hybrids, a synthesis of classically male and female connotated traits and thus uncontrollable super-humans. Through the artist's technique, her sketch-like reduction, and the cool materials used, the motifs remain connected to their original pop-cultural background despite their portraiture. Ambivalent relationships emerge between the individual and mass production. In this way, the artist contributes to a gender debate, which confronts complexity and multi layerdness with outdated gender stereotyping.


—Theresa Brauer




In the glory of digital decadence

 

Luminous slogans, sparkling rhinestones and shiny car body paint: in Katharina Arndt’s work, the alluring surface is a striking symbol of life in the digital age. In the hyperreal and intangible online world, only visual appearance matters—that of ourselves and the products we should buy. In her works, the artist exaggerates and ironizes the contemporary mass consumerist aesthetic of a decadent, abundant society. She brings things to the shining surface which are to be suppressed by binge buying, i.e. our worries and fears, especially those of our own mortality. Katharina Arndt creates glittering slogans like SHOP THE PAIN AWAY, staged neon colored sausage and meat upon black glossy fabric or GOOGLE immortalized in marble foil.


TEXT OBJECTS

Katharina Arndt presents cool sayings and current bits of wisdom in glittering or luminous lettering. Using the sparkling rhinestones or colored LEDs, the words have a strong visual presence. However, light and reflecting surfaces have a light physical materiality, which seemingly lightens the content.


LIGHTWORKS

Katharina Arndt’s bright sentence fragments capture the current slogans far from the original context. Work such as My therapist said… or You should be focus on the loss and the search for identity, especially against the background of online social media platforms and their constant demand of new forms of self-presentation. The same applies to the two-meter-high neon letters of the work FOLLOW ME. It leads either into nothingness or in a circle. Further works such as Who cares or That’s not my problem epitomize contemporary self-obsession and the accompanying loss of empathy. In A poem for Gero, the words TV, cheeseburger, latest movie and sale refer to basic elements of today’s mass consumerist culture. The work, consisting of different light sources as well as translucent Plexiglas, has an ephemeral quality also reflected in the ephemerality of the word’s content. Katharina Arndt’s works becomes a symbol for the transience of the digital age, whose information is intangible and whose longevity is by no means assured.


RHINESTONE LETTERING

Glittering rhinestone texts criticize the essential social significance of consumer culture. In Produce / Consume / Die, the life cycle degenerates into that of consumer goods. In SHOP THE PAIN AWAY, the artist refers to the misbelief of shopping one’s way to happiness and thus to a contemporary positive society. Here, negative feelings and fears are suppressed because they are not valued by the market. This trend has been amplified by the virtual world of the Internet, since only a product’s attractive visual appearance counts there. Katharina Arndt’s works Shop online, Click here and BUY NOW have the same aims, as their only contents are the words on digital buttons supposed stimulate purchases. These banal Internet slogans the artist monumentally transforms into the materiality and ironically immortalizes the virtual world of consumerism into the physical one. Thus, the work also sarcastically alludes to the art market whose values are based on big names and hype rather than focusing on the work’s content.


MARBLE RELIEF MURALS

Katharina Arndt applies plastic foil to aluminum Dibond plates which imitates an expensive marble surface. She then immortalizes trivial sentence fragments such as SAVE THE WORLD in relief, with the addition of “I’m not in the mood to” grafittied in a layer of commercial spray paint. In additional works such as SMILING…when required or BORED TO DEATH…in paradise, Katharina Arndt brings together further contrasts. She illustrates the ego-driven, as well as the personally mood dependent, decadent nature of commerce, in that it is both a satiating and boring emotional state. In the series GOOGLE yourself with works such as Who am I…GOOGLE…yourself or SELFIE + ugly = SUGLIE, Katharina Arndt ironizes the problem of self-discovery and identity formation dependent on the googleable online identity. In LIVE on YouTube and TV? Turn on my Netflix from the series Virtual Reality, the artist plays with the significance of current trends and their media transience. The television has become obsolete in times of online film portals like Netflix. The fragile materiality of the works reflects this state of affairs, since they merely pretend to be solid stone. Formally the works remind us of memorial tablets, which are supposed to maintain the significance of the past. Here, they prove to be as fragile as the content and values presented on them.


DRAWINGS


STILL LIFE WITH MEAT

In the series Still Life With Meat, Katharina Arndt draws sausages and meat products with bright markers and acrylic on black paint. Lines in pink, yellow, orange, red and white tones form smooth, idealized motifs. They shine through and are composed like old-fashioned still lives. Yet they are based on models of contemporary consumer images and are reminiscent of tightly filled sausage counters. The conceptual template for the series is based on the Grill Bible by Weber, the luxury grill manufacturer. The volume, filled with numerous pictures of finely draped, gleaming meats, symbolizes the decadence of the insatiable hunger of (western) consumer society. It forms the equally extreme cult of veganism at the opposite pole. Both symbolize the ego trips driven at the pinnacle of an overly abundant society alienated from nature. Thus, the skinned head of the dead lamb Still Life With Meat # 19 can be understood as an ambiguous allusion to the Christian symbol of the Lamb of God, which here is not sacrificed here to take away the sins of the world, but to indulge the cult of consumerism.


FAYE DUNAWAY ON MONDAYS

Smoking and drinking women, violent with curved axes or drawn knives, stand out in pure, white lines against the black-shining image surface. In the series Faye Dunaway on Mondays, Katharina Arndt processes various cinematic models. She focuses primarily on Barfly, in which Faye Dunaway plays an alcoholic. The artist questions the emancipatory significance of pop culture representations of self-assured and strong women, whose active role is connected to negatively connoted qualities, brutality, or eroticism.


The works of Katharina Arndt appear as fetish of consumer culture simultaneously criticized by the artist. Mainstream materials create shiny color surfaces that bring visual appearance and thereby the visual world of the digital age to the foreground. The individual focus on the here and now puts the artist to the test in her works. She uses forms of body worship, fitness, the lust for meat and consumerist desire as symbols for a self-centered vitality in a positive society which resist the notion of one’s transience. This opposing polarity is expressed in many of the artist’s works. For example, she imitates a stone surface using plastic foil, adorns lovely embroideries with strong curse words, removes tattoos as expressions of individual identity or puts Zeitgeist phrases into a religious light. It is also reflected in the dichotomous female image of some works. They show emancipated, active and self-confident personalities which are nevertheless tied to negative characteristics such as smoking, drinking, brutality or eroticism. Katharina Arndt’s works reflect numerous levels of pop culture. With their slick aesthetic and immaculate surfaces, they symbolize not only a positivist consumer culture, but above all the psychological hatefulness of society.

Through the use and inclusion of pop culture materials and content as fundamental elements of her work, Katharina Arndt creates a reference point for the viewer. Here, personal values can be questioned: do I agree with the female image presented to me? Should I really listen to my therapist? Does it make sense to go shopping to get rid of my worries? Should my life consist of Viagra and Valium? Should I be seduced by the shiny surfaces of digital decadence?

 

—  Tina Sauerländer

Le dernier survivant

Jeune et belle au premier regard, mais déjà cool ou même autoritaire au second : dans les séries "Final Girls" et "Faye Dunaway", Katharina Arndt utilise des images fixes pour représenter les derniers survivants (tous des femmes) de célèbres films d'horreur tels que Halloween, Scream, Alien et Texas Chainsaw. L'artiste reprend ainsi un motif pop-culturel apparu dans les années 1970 comme contre-modèle de "La demoiselle en détresse" et décrit pour la première fois en 1992 par la spécialiste américaine du cinéma Carol J. Clover. Les femmes apparaissent à la fois comme des personnifications de la peur, mais triomphent à la fin du film respectif grâce à leurs divagations à l'intelligence brutale et à leur volonté d'agir. Arndt réfléchit ici à la dynamique de l'évolution de la compréhension des rôles et de l'image des femmes dans le dernier tiers du XXe siècle.

Dans les œuvres des hommes artistes, les femmes cruelles, les femmes fatales, apparaissent souvent comme leur cauchemar et/ou leur rêve. Les topos de l'Amazone, brutale et très sexuelle, en sont un exemple. La femme devient rapidement une image de la fantaisie masculine ou des cultures patriarcales et un écran de projection pour les deux pôles de l'existence humaine, tels que Freud les a décrits : le désir de mort et la libido.
En revanche, dans les œuvres d'artistes comme Artemisia Gentileschi, les protagonistes iconographiques bibliques sont caractérisés comme des femmes autonomes, autosuffisantes et réfléchies. Une image des femmes à plusieurs niveaux est véhiculée, qui résiste à la simple classification (vierge ou putain).

Avec Arndt, les femmes deviennent des hybrides, une synthèse de traits de caractère classiques connotés masculins et féminins et donc des super-humains incontrôlables. Grâce à la technique de l'artiste, à sa réduction sommaire et aux matériaux utilisés, les motifs restent liés à leur contexte culturel d'origine malgré leur caractère portraituré. Des relations ambivalentes entre le produit individuel et le produit de masse sont créées. L'artiste apporte ainsi sa contribution au débat sur le genre, qui place la complexité et la multiplicité des couches devant une réflexion dépassée sur le genre.


-Theresa Brauer


À la gloire de la décadence numérique

Slogans lumineux, strass étincelants et peinture automobile brillante : dans l'œuvre de Katharina Arndt, la surface attrayante est le symbole le plus approprié de la vie à l'ère du numérique. Dans le monde en ligne hyperréel et en même temps immatériel, seule l'apparence visuelle compte - celle de nous-mêmes et des produits que nous sommes censés acheter. Dans ses œuvres, l'artiste exagère et ironise l'esthétique contemporaine de la consommation de masse d'une société d'abondance décadente et ramène à la surface rayonnante, qui dans la frénésie du shopping doit être réprimée, nos soucis et nos craintes, surtout ceux de notre propre fugacité. Pour ce faire, Katharina Arndt crée des slogans scintillants tels que SHOP THE PAIN AWAY, met en scène des saucisses et de la viande en couleurs néon sur du tissu noir brillant ou immortalise GOOGLE en feuille de marbre.


TEXTIBOJETS


Katharina Arndt met en scène des dictons cool et la sagesse actuelle objectivement dans des lettres scintillantes ou lumineuses. Grâce aux strass scintillants ou aux LED colorées, les mots ont une forte présence visuelle. Cependant, la lumière et les surfaces réfléchissantes présentent une matérialité physique à peine existante, qui annule en quelque sorte le poids du contenu.


LIGHTWORKS


Les fragments de phrases lumineux de Katharina Arndt reprennent des mots-clés actuels, que l'artiste présente loin de leur contexte d'origine. Des ouvrages comme "mon thérapeute a dit..." ou "vous devriez être" traitent de la perte et de la recherche d'identité, en particulier dans le contexte des plateformes de médias sociaux sur Internet, qui exigent constamment différentes formes d'auto-dramatisation. Il en va de même pour le lettrage de deux mètres de haut fait de tubes de néon dans l'œuvre "FOLLOW ME", qui mène soit dans le néant, soit autour d'un cercle. D'autres œuvres telles que "Who cares" ou "That's not my problem" symbolisent l'autocentrisme contemporain et la perte d'empathie qui l'accompagne. Dans "Un poème pour Gero", les mots TV, Cheeseburger, Dernier film et Vente font référence à des éléments fondamentaux de la culture contemporaine de la consommation de masse. Les œuvres, qui se composent de différentes sources de lumière ainsi que de plexiglas transparent, ont une qualité éphémère, dans laquelle se reflète également le caractère éphémère du contenu du mot. Les œuvres de Katharina Arndt deviennent un symbole de la fugacité de l'ère numérique, dont les informations sont également disponibles de manière immatérielle et dont la longévité n'est nullement assurée.


ÉCRITS DE STRASS

Les objets de texte en strass scintillants critiquent la signification sociale essentielle de la culture de consommation. Dans "Produire / Consommer / Mourir", le cycle de vie dégénère en un cycle de marchandises et dans "SHOP THE PAIN AWAY", l'artiste fait référence à la croyance erronée dans l'expérience chanceuse du shopping et donc à la société positive contemporaine dans laquelle les sentiments négatifs et les peurs sont réprimés parce qu'ils ne peuvent pas être exploités de manière commercialisable. Cette tendance est renforcée par le monde virtuel de l'Internet, où seule compte l'apparence visuelle attrayante d'un produit. Les œuvres de Katharina Arndt "Shop online", "click here" et "BUY NOW" s'inscrivent également dans cette optique, leur seul contenu étant les mots sur les boutons numériques censés stimuler l'achat. L'artiste transforme monumentalement ces banals slogans Internet en matière et immortalise ironiquement le monde virtuel de la consommation en tangibilité physique. Ainsi, les œuvres représentent également une allusion sarcastique au marché de l'art, dont les valeurs sont orientées vers les grands noms et les hypes au lieu de se concentrer sur le contenu des œuvres.


RELIEFS MURAUX EN MARBRE


Katharina Arndt applique une feuille de plastique sur des panneaux en alu-dibond, qui imite la surface du marbre cher. Elle y immortalise des fragments de phrases triviales comme Sauver le monde en relief, complétées par l'ajout "...je ne suis pas d'humeur à", que l'artiste applique en une seule couche avec de la peinture graffiti standard. Dans d'autres œuvres comme "SOURIE...quand il le faut" ou "ENFERMÉ À MORT...au paradis", l'artiste rassemble d'autres paires de contrastes. Dans la série "GOOGLE yourself" avec des œuvres telles que "Who am I...GOOGLE... yourself" ou "SELFIE + ugly = SUGLIE", Katharina Arndt ironise le problème de la découverte de soi et de la formation de l'identité en fonction de l'identité en ligne googleable. Dans "LIVE on youtube" et "TV ? turn on my netflix" de la série "virtual REALITY", l'artiste joue avec le sens des tendances actuelles et leur caractère éphémère. À l'époque des portails de cinéma en ligne comme Netflix, la télévision a fait son temps. La matérialité fragile des objets artistiques reflète cet état de fait, car ils ne font que feindre la massivité de la pierre. Formellement, les œuvres rappellent les plaques commémoratives, qui ont pour but de maintenir le sens du passé. Ils s'avèrent ici aussi fragiles que les contenus et les valeurs qui y sont représentés.


DESSINS


LA NATURE MORTE AVEC DE LA VIANDE


Dans la série "Still Life With Meat", Katharina Arndt dessine des saucisses et des produits à base de viande avec des marqueurs lumineux et de la peinture acrylique sur de la laque noire. Des lignes dans des tons de rose, jaune, orange, rouge et blanc forment les motifs lisses et idéalisés. Elles semblent composées de bout en bout comme des natures mortes de l'ancien temps, mais elles sont basées sur des modèles d'images de consommateurs contemporains et rappellent les comptoirs de saucisses bombés. Le modèle conceptuel de la série est basé sur la "Bible du grill" du fabricant de grills de luxe Weber. Le volume, rempli de nombreuses images de viande bien drapée et brillante, symbolise la décadence de la faim insatiable de la société de consommation (occidentale). Il constitue l'antipole du culte tout aussi extrême de la vie végétalienne. Tous deux symbolisent les voyages de l'ego extrême d'une société d'abondance aliénée de la nature. Ainsi, la tête écorchée de l'agneau mort sur la "Nature morte avec viande n°19" est comprise comme une allusion ambiguë au symbole chrétien de l'Agneau de Dieu, qui n'est pas sacrifié ici pour enlever les péchés du monde, mais pour se livrer au culte de la consommation.


FAYE DUNAWAY LE LUNDI


Des femmes fumant et buvant, prêtes à user de violence avec des haches balancées ou des couteaux tirés, se détachent en lignes blanches pures de la surface noire brillante de l'image. Dans la série "Faye Dunaway on Mondays", Katharina Arndt travaille avec différents modèles cinématographiques, notamment celui de "Barfly", dans lequel Faye Dunaway joue une alcoolique. L'artiste s'interroge sur la signification émancipatrice des représentations pop-culturelles de femmes sûres d'elles et fortes dont le rôle actif est lié à des caractéristiques à connotation négative, à un comportement brutal ou à une physicalité érotique.


Les œuvres de Katharina Arndt apparaissent comme les fétiches d'une culture de consommation que l'artiste critique, pour ainsi dire. Les matériaux courants créent des surfaces colorées brillantes qui mettent en avant l'apparence et donc le visuel ici et maintenant à l'ère du numérique. Dans ses œuvres, l'artiste met à l'épreuve l'accent individuel sur l'ici et maintenant en utilisant des formes de culte du corps, de remise en forme, de charisme et de consommation comme symboles d'une vivacité égocentrique dans une société positive qui s'oppose à l'idée de sa propre fugacité. Cette polarité opposée s'exprime dans de nombreuses œuvres de l'artiste, par exemple lorsqu'elle utilise des feuilles de plastique pour simuler une surface de pierre, ajoute des gros mots grossiers à de jolis motifs de broderie, retouche des tatouages pour exprimer l'identité individuelle ou baigne des phrases de l'esprit du temps dans la lumière divine. Elle se retrouve également dans l'image ambivalente des femmes dans certaines de ses œuvres, qui montrent des personnalités émancipées, actives et sûres d'elles-mêmes, qui sont néanmoins toujours liées à des qualités négatives comme le fait de fumer ou de boire, un comportement brutal ou une physicalité érotique. Les œuvres de Katharina Arndt reflètent de nombreux niveaux de la culture populaire et, avec leur esthétique lisse de la surface immaculée, symbolisent non seulement une culture de consommation positiviste, mais surtout la constitution psychologique de la société.

En utilisant et en incorporant des matériaux et des contenus de la culture pop comme éléments fondamentaux de ses œuvres, Katharina Arndt crée un niveau de référence pour les spectateurs sur lequel leurs propres valeurs peuvent être remises en question : Est-ce que je suis d'accord avec l'image de la femme qui m'est présentée ? Dois-je vraiment écouter mon thérapeute ? Est-il logique d'aller faire du shopping pour supprimer mes soucis ? Ma vie devrait-elle se composer de Viagra et de Valium ? Devrais-je être séduit par les surfaces brillantes de la décadence numérique ?

El último sobreviviente

Joven y bella a primera vista, pero ya guay o incluso autoritaria a segunda vista: En las series "Final Girls" y "Faye Dunaway", Katharina Arndt utiliza fotogramas de películas para retratar a las últimas supervivientes (todas mujeres) de famosas películas de terror como Halloween, Scream, Alien y Texas Chainsaw. El artista retoma así un motivo cultural pop que apareció en los años 70 como contramodelo de "La damisela en apuros" y que fue descrito por primera vez en 1992 por la estudiosa de cine americana Carol J. Clover. Las mujeres aparecen como personificaciones del miedo, pero triunfan al final de la respectiva película por su delirante inteligencia brutal y su disposición a actuar. Aquí Arndt reflexiona sobre el impulso de la cambiante comprensión de los roles y la imagen de la mujer en el último tercio del siglo XX.

En las obras de los artistas masculinos, las mujeres crueles, las mujeres fatales, a menudo aparecen como su pesadilla y/o sueño. Un ejemplo son los topos de la brutal y altamente sexualmente cargada Amazonia. La mujer se convierte rápidamente en una imagen de la fantasía masculina o de las culturas patriarcales y en una pantalla de proyección de los dos polos de la existencia humana, como los describió Freud: el anhelo de la muerte y la libido.
Esto se contrasta con las obras de artistas como Artemisia Gentileschi, en las que los protagonistas de la iconografía bíblica se caracterizan por ser mujeres autónomas, autosuficientes y autorreflexivas. Se transmite una imagen de varias capas de mujeres que se resiste a la simple clasificación (virgen o puta).

Con Arndt, las mujeres se convierten en híbridos, una síntesis de los rasgos de carácter clásicamente masculinos y femeninos connotados y, por lo tanto, en superhumanos incontrolables. A través de la técnica de la artista, su reducción incompleta, y los materiales fríos utilizados, los motivos permanecen conectados a su fondo cultural pop original a pesar de su naturaleza de retrato. Se crean relaciones ambivalentes entre el individuo y el producto de masa. De esta manera, la artista contribuye con su parte al debate sobre el género, que coloca la complejidad y la multiplicidad de capas antes de un pensamiento anticuado de encasillamiento de género.


-Theresa Brauer


En la gloria de la decadencia digital

Lemas brillantes, brillantes estrases y brillante pintura de coches: en la obra de Katharina Arndt, la atractiva superficie es el símbolo más adecuado de la vida en la era digital. En el mundo online hiperrealista y al mismo tiempo inmaterial, sólo importa la apariencia visual, la de nosotros mismos y la de los productos que se supone que debemos comprar. En sus obras, la artista exagera e ironiza sobre la estética de consumo masivo contemporáneo de una sociedad opulenta decadente y saca a la superficie radiante, que en el frenesí de las compras tiene que ser reprimida, nuestras preocupaciones y miedos, especialmente los de nuestra propia fugacidad. Para ello, Katharina Arndt crea eslóganes brillantes como SHOP THE PAIN AWAY, escenifica salchichas y carne en colores neón sobre tela negra brillante o inmortaliza a GOOGLE en papel de mármol.


TEXTIBOJETOS


Katharina Arndt pone en escena dichos frescos y la sabiduría actual objetivamente en letras brillantes o luminosas. A través de los brillantes diamantes de imitación o los LEDs de colores, las palabras tienen una fuerte presencia visual. Sin embargo, la luz y las superficies reflectantes muestran una materialidad física apenas existente, que por así decirlo anula el peso del contenido.


LIGHTWORKS


Los fragmentos de frases luminosas de Katharina Arndt retoman los tópicos actuales, que la artista presenta lejos de su contexto original. Trabajos como "mi terapeuta dijo..." o "deberías estar" tratan de la pérdida y búsqueda de identidad, especialmente en el contexto de las plataformas de medios sociales en Internet, que exigen constantemente diferentes formas de auto-dramatización. Lo mismo se aplica a las letras de dos metros de altura hechas de tubos de neón en la obra "SÍGUEME", que conduce a la nada o alrededor de un círculo. Otras obras como "A quién le importa" o "Ese no es mi problema" simbolizan el autoenfoque contemporáneo y la pérdida de empatía que lo acompaña. En "Un poema para Gero" las palabras TV, Cheeseburger, Última Película y Venta se refieren a elementos fundamentales de la cultura contemporánea de consumo masivo. Las obras, que consisten en diferentes fuentes de luz así como en plexiglás transparente, tienen una calidad efímera, en la que también se refleja el carácter efímero del contenido de la palabra. Las obras de Katharina Arndt se convierten en un símbolo de la transitoriedad de la era digital, cuya información también está disponible inmaterialmente y cuya longevidad no está en absoluto asegurada.


ESCRITOS DE STRASS

Los objetos de texto hechos de brillantes strass critican el significado social esencial de la cultura de consumo. En "Producir / Consumir / Morir" el ciclo de vida degenera en un ciclo de mercancía y en "COMPRAR PARA EVITAR EL DOLOR" el artista se refiere a la creencia errónea en la experiencia de compra afortunada y por lo tanto a la sociedad positiva contemporánea en la que los sentimientos negativos y los miedos son reprimidos porque no pueden ser explotados de manera comercial. Esta tendencia se ve reforzada por el mundo virtual de Internet, donde sólo cuenta el aspecto visual atractivo de un producto. Las obras de Katharina Arndt "Shop online", "click here" y "BUY NOW" también apuntan a esto, su único contenido son las palabras en los botones digitales que se supone que estimulan la compra. El artista transforma monumentalmente estos banales eslóganes de Internet en el material e irónicamente inmortaliza el mundo de consumo virtual en la tangibilidad física. Así, las obras también representan una alusión sarcástica al mercado del arte, cuyos valores se orientan hacia los grandes nombres y las hipótesis en lugar de centrarse en el contenido de las obras.


RELIEVES DE MÁRMOL EN LAS PAREDES


Katharina Arndt aplica láminas de plástico a los paneles de Alu-Dibond, que imitan la superficie de un costoso mármol. En ella inmortaliza fragmentos de frases triviales como SALVAR EL MUNDO en relieve, complementado con la adición "...no estoy de humor para", que el artista aplica en una capa con pintura estándar de graffiti en spray. En otras obras como "Sonriendo... cuando sea necesario" o "Aburrido de morir... en el paraíso" el artista reúne más pares de contrastes. En la serie "GOOGLE yourself" con obras como "Who am I...GOOGLE... yourself" o "SELFIE + feo = SUGLIE" Katharina Arndt ironiza sobre el problema del autodescubrimiento y la formación de la identidad en función de la identidad online googleable. En "LIVE on youtube" y "TV ? turn on my netflix" de la serie "Virtual REALITY" el artista juega con el significado de las tendencias actuales y su transitoriedad mediática. En tiempos de los portales de cine online como Netflix, la televisión ha tenido su día. La frágil materialidad de los objetos artísticos refleja este estado de cosas, ya que sólo simulan la masividad de la piedra. Formalmente, las obras recuerdan a las placas conmemorativas, que tienen por objeto mantener el significado del pasado. Aquí demuestran ser tan frágiles como el contenido y los valores representados en ellos.


DIBUJOS


LA NATURALEZA MUERTA CON LA CARNE


En la serie "Naturaleza muerta con carne" Katharina Arndt dibuja salchichas y productos cárnicos con marcadores brillantes y pintura acrílica sobre laca negra. Líneas en tonos de rosa, amarillo, naranja, rojo y blanco forman los suaves e idealizados motivos. Aparecen compuestas de principio a fin como antiguas naturalezas muertas magistrales, pero se basan en modelos de imágenes de consumo contemporáneas y recuerdan a los abultados mostradores de salchichas. El modelo conceptual de la serie se basa en la "Biblia de la Parrilla" del fabricante de parrillas de lujo Weber. El volumen, repleto de numerosas imágenes de carne pulcramente cubierta y brillante, simboliza la decadencia del hambre insaciable de la sociedad de consumo (occidental). Forma el antipolo del igualmente extremo culto de la vida vegana. Ambos simbolizan los viajes del ego extremo de una sociedad próspera alienada de la naturaleza. Así, la cabeza desollada del cordero muerto en "Bodegón con carne #19" se entiende como una alusión ambigua al símbolo cristiano del Cordero de Dios, que no se sacrifica aquí para quitar los pecados del mundo, sino para entregarse al culto de la consumición.


FAYE DUNAWAY LOS LUNES


Las mujeres fumadoras y bebedoras, dispuestas a usar la violencia con hachas o cuchillos, se destacan en líneas blancas puras de la superficie de la imagen negra brillante. En la serie "Faye Dunaway los lunes", Katharina Arndt trabaja con varios modelos fílmicos, especialmente de "Barfly", en la que Faye Dunaway interpreta a un alcohólico. El artista cuestiona el significado emancipador de las representaciones pop-culturales de mujeres seguras de sí mismas y fuertes, cuyo papel activo está vinculado a características de connotación negativa, comportamiento brutal o fisicalidad erótica.


Las obras de Katharina Arndt aparecen como fetiches de una cultura de consumo que el artista critica, por así decirlo. Los materiales convencionales crean superficies de colores brillantes que llevan la apariencia y por lo tanto lo visual aquí y ahora al primer plano en la era digital. En sus obras, la artista pone a prueba el enfoque individual del aquí y ahora, utilizando formas de culto al cuerpo, el fitness, el carnalismo y el consumismo como símbolos de una vivacidad egocéntrica en una sociedad positiva que se opone a la idea de la propia transitoriedad. Esta polaridad opuesta se expresa en muchas de las obras de la artista, por ejemplo, cuando utiliza láminas de plástico para simular una superficie de piedra, añade groseras palabrotas a encantadores patrones de bordado, retoca los tatuajes como expresión de la identidad individual o baña las frases del espíritu de la época con luz divina. También se encuentra en la imagen ambivalente de la mujer en algunas de sus obras, que muestra personalidades emancipadas, activas y seguras de sí mismas, que sin embargo siempre están ligadas a cualidades negativas como el fumar o el beber, el comportamiento brutal o la fisicalidad erótica. Las obras de Katharina Arndt reflejan numerosos niveles de la cultura pop y, con su suave estética de la superficie inmaculada, simbolizan no sólo una cultura de consumo positivista, sino sobre todo la constitución psicológica de la sociedad.

Al utilizar e incorporar materiales y contenidos de la cultura pop como elementos fundamentales de sus obras, Katharina Arndt crea un nivel de referencia para los espectadores, en el que se pueden cuestionar sus propios conceptos de valores: ¿Estoy de acuerdo con la imagen de las mujeres que se me presenta? ¿Debería realmente escuchar a mi terapeuta? ¿Tiene sentido ir de compras para suprimir mis preocupaciones? ¿Debería mi vida consistir en Viagra y Valium? ¿Debería ser seducido por las brillantes superficies de la decadencia digital?

L'ultimo sopravvissuto

Giovane e bella a prima vista, ma già fresca o addirittura autoritaria a seconda vista: nelle serie "Final Girls" e "Faye Dunaway", Katharina Arndt utilizza fotogrammi cinematografici per ritrarre le ultime (tutte femmine) sopravvissute di famosi film horror come Halloween, Scream, Alien e Texas Chainsaw. L'artista riprende così un motivo pop-culturale apparso negli anni Settanta come contro-modello di "La damigella in pericolo" e descritto per la prima volta nel 1992 dalla studiosa americana di cinema Carol J. Clover. Le donne appaiono entrambe come personificazioni della paura, ma trionfano alla fine del rispettivo film attraverso la loro delirante intelligenza brutale e la loro disponibilità ad agire. Qui Arndt riflette su uno slancio della mutata comprensione dei ruoli e dell'immagine della donna nell'ultimo terzo del XX secolo.

Nelle opere di artisti maschi, donne crudeli, femmine fatali, appaiono spesso come incubo e/o sogno. Un esempio è il topos dell'Amazzonia brutale e molto carica sessualmente. La donna diventa rapidamente un'immagine della fantasia maschile o delle culture patriarcali e uno schermo di proiezione per i due poli dell'esistenza umana, come li descriveva Freud: il desiderio di morte e la libido.
A questo si contrappongono le opere di artisti come Artemisia Gentileschi, in cui le protagoniste biblicamente iconografiche si caratterizzano come donne autonome, autosufficienti, autoriflessive. Viene trasmessa un'immagine multistrato delle donne che resiste alla semplice classificazione (vergine o puttana).

Con Arndt, le donne diventano ibridi, una sintesi di tratti caratteriali classicamente maschili e femminili connotati e quindi superuomini incontrollabili. Attraverso la tecnica dell'artista, la sua riduzione abbozzata e i materiali freddi utilizzati, i motivi rimangono legati al loro originale background pop-culturale nonostante la loro natura ritrattistica. Si creano relazioni ambivalenti tra prodotto individuale e prodotto di massa. In questo modo l'artista contribuisce al dibattito sul genere, che antepone la complessità e la stratificazione a un antiquato pensiero di genere.


-Theresa Brauer


Nella gloria della decadenza digitale

Slogan luminosi, strass scintillanti e vernice lucida per auto: nell'opera di Katharina Arndt, la superficie attraente è il simbolo più adatto della vita nell'era digitale. Nel mondo online iper-reale e allo stesso tempo immateriale, conta solo l'aspetto visivo - quello di noi stessi e dei prodotti che dovremmo acquistare. Nelle sue opere, l'artista esagera e ironizza l'estetica contemporanea del consumo di massa di una società benestante e decadente e porta alla superficie radiosa, che nella frenesia dello shopping deve essere repressa, le nostre preoccupazioni e le nostre paure, soprattutto quelle della nostra stessa transitorietà. A questo scopo, Katharina Arndt crea slogan scintillanti come SHOP THE PAIN AWAY, mette in scena salsicce e carne in colori neon su tessuto nero lucido o immortala GOOGLE in lamina di marmo.


TESSUTIBOJECTS


Katharina Arndt mette in scena i detti freddi e la saggezza attuale oggettivamente in lettere scintillanti o luminose. Attraverso gli scintillanti strass o i LED colorati, alle parole viene data una forte presenza visiva. Tuttavia, la luce e le superfici riflettenti mostrano una materialità fisica appena esistente, che per così dire annulla il peso del contenuto.


LIGHTWORKS


I frammenti di frase luminosa di Katharina Arndt riprendono le parole d'ordine attuali, che l'artista presenta lontano dal loro contesto originale. Lavori come "il mio terapeuta ha detto..." o "dovresti esserlo" affrontano la perdita e la ricerca di identità, soprattutto sullo sfondo delle piattaforme dei social media su Internet, che richiedono costantemente diverse forme di auto-drammatizzazione. Lo stesso vale per le scritte alte due metri fatte di tubi al neon nell'opera "FOLLOW ME", che porta o nel nulla o in cerchio. Altre opere come "Chi se ne frega" o "Non è un mio problema" simboleggiano l'autocentrismo contemporaneo e la perdita di empatia che lo accompagna. In "Una poesia per Gero" le parole TV, Cheeseburger, Latest Movie and Sale si riferiscono a elementi fondamentali della cultura contemporanea del consumo di massa. Le opere, che sono composte da diverse fonti di luce oltre che da plexiglas trasparente, hanno una qualità effimera, in cui si riflette anche il carattere di breve durata del contenuto della parola. Le opere di Katharina Arndt diventano un simbolo della caducità dell'era digitale, la cui informazione è anche immateriale e la cui longevità non è affatto garantita.


SCRITTI DA STRASS

Gli oggetti di testo fatti di strass scintillanti criticano l'essenziale significato sociale della cultura del consumo. In "Produci / Consuma / Muori" il ciclo della vita degenera in un ciclo di merci e in "SHOP THE PAIN AWAY" l'artista si riferisce alla credenza errata nell'esperienza dello shopping felice e quindi alla società contemporanea positiva, in cui i sentimenti e le paure negative vengono repressi perché non possono essere sfruttati in modo commerciabile. Questa tendenza è rafforzata dal mondo virtuale di Internet, dove conta solo l'aspetto visivo attraente di un prodotto. Anche le opere di Katharina Arndt "Shop online", "clicca qui" e "BUY NOW" sono rivolte a questo, il loro unico contenuto è costituito dalle parole sui pulsanti digitali che dovrebbero stimolare l'acquisto. L'artista trasforma monumentalmente questi banali slogan di Internet in materiale e ironicamente immortala il mondo virtuale del consumo nella tangibilità fisica. Le opere rappresentano quindi anche un'allusione sarcastica al mercato dell'arte, i cui valori sono orientati verso i grandi nomi e gli hypes invece di concentrarsi sul contenuto delle opere.


RILIEVI MURALI IN MARMO


Katharina Arndt applica una pellicola di plastica ai pannelli in Alu-Dibond, che imita la superficie del costoso marmo. Su di essa immortala frammenti di frase banali come SAVE THE WORLD in rilievo, integrati dall'aggiunta "...I'm not in the mood to", che l'artista applica in un unico strato con vernice spray standard per graffiti. In altre opere come "SMILING...quando necessario" o "BORED TO DEATH...in paradise" l'artista raccoglie ulteriori coppie di contrasti. Nella serie "GOOGLE yourself" con opere come "Who am I...GOOGLE... yourself" o "SELFIE + ugly = SUGLIE" Katharina Arndt ironizza sul problema della scoperta di sé e della formazione dell'identità a seconda dell'identità online googleable. In "LIVE on youtube" e "TV ? turn on my netflix" della serie "virtual REALITY" l'artista gioca con il significato delle tendenze attuali e la loro transitorietà mediatica. In tempi di portali cinematografici online come Netflix, la televisione ha fatto il suo tempo. La fragile materialità degli oggetti d'arte riflette questo stato di cose, poiché essi si limitano a fingere la massività della pietra. Formalmente, le opere ricordano le targhe commemorative, che hanno lo scopo di mantenere il significato del passato. Qui si rivelano fragili come i contenuti e i valori che vi sono raffigurati.


DISEGNI


NATURA MORTA CON CARNE


Nella serie "Natura morta con carne" Katharina Arndt disegna salsicce e prodotti a base di carne con pennarelli luminosi e vernice acrilica su lacca nera. Linee nei toni del rosa, giallo, arancione, rosso e bianco formano i motivi lisci e idealizzati. Sembrano composte come vecchie e maestose nature morte, ma si basano su modelli di immagini di consumo contemporanee e ricordano i banchi di salsicce sporgenti. Il modello concettuale della serie si basa sulla "Bibbia della griglia" del produttore di griglie di lusso Weber. Il volume, ricco di numerose immagini di carne ben drappeggiata e lucida, simboleggia la decadenza della fame insaziabile della società dei consumi (occidentale). Essa costituisce l'antipolo al culto altrettanto estremo della vita vegana. Entrambi simboleggiano i viaggi estremi dell'ego di una società benestante alienata dalla natura. Così la testa scuoiata dell'agnello morto su "Natura morta con carne #19" è intesa come un'ambigua allusione al simbolo cristiano dell'Agnello di Dio, che qui non viene sacrificato per togliere i peccati del mondo, ma per indulgere al culto del consumo.


FAYE DUNAWAY IL LUNEDÌ


Le donne che fumano e bevono, pronte a usare la violenza con l'ascia oscillante o con i coltelli disegnati, si distinguono in linee bianche pure dalla superficie nera lucida del quadro. Nella serie "Faye Dunaway on Monday", Katharina Arndt lavora con vari modelli cinematografici, soprattutto da "Barfly", in cui Faye Dunaway interpreta un'alcolizzata. L'artista si interroga sul significato emancipatorio delle rappresentazioni pop-culturali di donne forti e sicure di sé, il cui ruolo attivo è legato a caratteristiche negativamente connotate, a comportamenti brutali o alla fisicità erotica.


Le opere di Katharina Arndt appaiono come feticci di una cultura consumistica che l'artista critica per così dire. I materiali mainstream creano superfici colorate e brillanti che portano l'aspetto e quindi la visuale qui e ora alla ribalta nell'era digitale. Nelle sue opere, l'artista mette alla prova l'attenzione individuale sul qui e ora, utilizzando forme di culto del corpo, fitness, carnale e consumistico come simboli di una vivacità egocentrica in una società positiva che si oppone all'idea della propria transitorietà. Questa polarità opposta si esprime in molte opere dell'artista, per esempio quando usa la pellicola di plastica per simulare una superficie di pietra, aggiunge parolacce grossolane ai bei ricami, ritocca i tatuaggi come espressione di identità individuale, o immerge le frasi dello Zeitgeist in una luce divina. Si ritrova anche nell'immagine ambivalente della donna in alcune delle sue opere, che mostra personalità emancipate, attive e sicure di sé, ma sempre legate a qualità negative come il fumo o il bere, il comportamento brutale o la fisicità erotica. Le opere di Katharina Arndt riflettono numerosi livelli di cultura pop e, con la loro estetica liscia della superficie immacolata, simboleggiano non solo una cultura del consumo positivista, ma soprattutto la costituzione psicologica della società.

Utilizzando e incorporando materiali e contenuti pop-culturali come elementi fondamentali delle sue opere, Katharina Arndt crea un livello di riferimento per gli spettatori, sul quale i loro concetti di valore possono essere messi in discussione: Sono d'accordo con l'immagine della donna che mi viene presentata? Dovrei davvero ascoltare il mio terapeuta? Ha senso andare a fare shopping per sopprimere le mie preoccupazioni? La mia vita dovrebbe essere fatta di Viagra e Valium? Dovrei lasciarmi sedurre dalle superfici lucide della decadenza digitale?

Последний выживший

Молодая и красивая на первый взгляд, но уже крутая или даже авторитарная на второй взгляд: в сериалах "Девушки-финалисты" и "Фэй Данауэй" Катарина Арндт использует кинокадры, чтобы изобразить последних (всех женщин), переживших знаменитые фильмы ужасов, такие как "Хэллоуин", "Крик", "Чужой" и "Техасская бензопила". Таким образом, художник подхватывает поп-культурный мотив, который появился в 1970-х годах как контр-модель к "Девице в беде" и впервые был описан в 1992 году американским кинематографистом Кэрол Джей Кловер. Женщины предстают и как олицетворение страха, но в конце соответствующего фильма одерживают победу благодаря своему бешеному уму и готовности к действию. Здесь Арндт размышляет о динамике изменения понимания ролей и образа женщины в последней трети 20 века.

В работах мужчин-художников жестокие женщины, женщины со смертельным исходом, часто появляются как их кошмар и/или сон. Один из примеров - топос жестокой и сильно сексуально заряженной Амазонии. Женщина быстро становится образом мужской фантазии или патриархальной культуры и проекционным экраном для двух полюсов человеческого бытия, как их описывал Фрейд: тоска по смерти и либидо.
Этому противопоставляют работы таких художников, как Artemisia Gentileschi, в которых библейские иконографические герои характеризуются как самостоятельные, самодостаточные, саморефлексивные женщины. Передается многослойный образ женщины, который сопротивляется простой классификации (девственница или шлюха).

С Арндтом женщины становятся гибридами, синтезом классически мужских и женских коннотаций характера и, таким образом, неконтролируемыми суперлюдьми. Благодаря технике художницы, ее эскизной редукции и использованию холодных материалов, мотивы остаются связанными с их оригинальным поп-культурным фоном, несмотря на их портретность. Создаются неоднозначные отношения между индивидуальным и массовым продуктом. Таким образом, художница вносит свою лепту в гендерную дискуссию, которая ставит сложность и многослойность перед устаревшим гендерным мышлением "голубиной дыры".


-Тереза Брауэр


Во славу цифрового декаданса

Яркие лозунги, сверкающие стразы и блестящая автомобильная краска: в творчестве Катарины Арндт привлекательная поверхность является самым метким символом жизни в цифровую эпоху. В гиперреальном и в то же время нематериальном онлайн-мире важен только визуальный облик - нас самих и продуктов, которые мы должны покупать. В своих работах художница преувеличивает и иронизирует современную эстетику массового потребления декадентского богатого общества и выносит вещи на сияющую поверхность, которая в бешенстве покупок должна быть подавлена, наши заботы и страхи, особенно те, которые связаны с нашим собственным мимолетным течением. С этой целью Катарина Арндт создает блестящие лозунги, такие как SHOP THE PAIN AWAY, ставит колбасу и мясо в неоновых цветах на черную блестящую ткань или увековечивает GOOGLE в мраморной фольге.


ТЕКСТИБОЕКТЫ


Катарина Арндт объективно ставит прохладные изречения и текущую мудрость в блестящие или светящиеся надписи. Через сверкающие стразы или цветные светодиоды слова получают сильное визуальное присутствие. Однако, свет и отражающие поверхности показывают едва существующую физическую материальность, которая как бы отменяет вес содержимого.


СВЕТОФОРЫ


Светлые фрагменты предложения Катарины Арндт занимают текущие лозунги, которые художник представляет далеко от своего первоначального контекста. Работы типа "мой психотерапевт сказал..." или "ты должен быть" связаны с потерей и поиском идентичности, особенно на фоне социальных медиа-платформ в Интернете, которые постоянно требуют различных форм саморекламы. То же самое касается и двухметровой надписью, выполненной из неоновых трубок в произведении "FOLLOW ME", которая ведет либо в ничто, либо вокруг по кругу. Другие работы, такие как "Кого это волнует" или "Это не моя проблема", символизируют современную самоориентированность и потерю эмпатии, которая сопутствует этому. В "Поэме о Геро" слова TV, Cheeseburger, Latest Movie and Sale отсылают к фундаментальным элементам современной культуры массового потребления. Произведения, состоящие из различных источников света, а также из прозрачного плексигласа, имеют эфемерное качество, в котором также отражается недолговечность содержания слова. Произведения Катарины Арндт становятся символом скоротечности цифровой эпохи, чья информация также несущественно доступна и чье долголетие ни в коем случае не гарантировано.


ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИЗ СТРУНЫ

Текстовые объекты, выполненные из блестящих стразов, критикуют существенную социальную значимость культуры потребления. В "Продукции / Потреблении / Умереть" жизненный цикл перерастает в товарный цикл, а в "SHOP THE PAIN AWAY" художник ссылается на ошибочную веру в счастливый опыт покупок и, таким образом, на современное позитивное общество, в котором негативные чувства и страхи подавляются, потому что они не могут быть использованы рыночным способом. Эта тенденция усиливается виртуальным миром интернета, где важен только привлекательный внешний вид продукта. На это направлены и работы Катарины Арндт "Магазин онлайн", "Нажмите здесь" и "КУПИТЬ СЕЙЧАС", их единственным контентом являются слова на цифровых кнопках, которые должны стимулировать покупку. Художник монументально преобразует эти банальные интернет-лозунги в материал и иронично увековечивает в физической осязаемости виртуальный мир потребителя. Таким образом, работы также представляют собой саркастическую аллюзию на арт-рынок, ценности которого ориентированы на громкие имена и гипотезы, а не на содержание произведений.


МРАМОРНЫЕ НАСТЕННЫЕ РЕЛЬЕФЫ


Катарина Арндт наносит пластиковую пленку на панели из Alu-Dibond, имитирующую поверхность дорогого мрамора. На ней она увековечивает банальные фрагменты предложения, как СПАСИТЬ МИР в рельефе, дополненный добавлением "...я не в настроении", которое художник наносит в один слой стандартной краской с аэрозольным граффити. В дальнейших работах, таких как "СМИЛЛИНГ... когда нужно" или "СДЕЛАЕТСЯ ЗАТМРАТЬ... в раю" художник собирает дополнительные пары контрастов. В серии "GOOGLE yourself" с такими работами, как "Who am I...GOOGLE... yourself" или "SELFIE + ugly = SUGLIE" Катарина Арндт иронизирует проблему самопознания и формирования идентичности в зависимости от Googleable online идентичности. В сериалах "LIVE on youtube" и "TV ? turn on my netflix" из серии "Виртуальная реальность" художник играет со смыслом актуальных тенденций и их скоротечности. Во времена таких интернет-порталов, как Netflix, у телевидения был свой день. Хрупкая материальность художественных объектов отражает такое положение вещей, так как они просто имитируют массивность камня. Формально работы напоминают мемориальные доски, которые призваны сохранить смысл прошлого. Здесь они оказываются такими же хрупкими, как и изображенные на них содержимое и ценности.


ЗАДАЧИ


НАТЮРМОРТ С МЯСОМ


В серии "Натюрморт с мясом" Катарина Арндт рисует колбасные и мясные изделия яркими маркерами и акриловой краской на черном лаке. Линии оттенков розового, желтого, оранжевого, красного и белого образуют гладкие, идеализированные мотивы. Они выглядят скомпонованными сквозь и сквозь, как старинные натюрморты, но основаны на моделях современных потребительских образов и напоминают выпуклые колбасные прилавки. Концептуальная модель серии основана на "Библии о гриле" от производителя роскошных грилей Weber. Объем, наполненный многочисленными изображениями аккуратно драпированного, блестящего мяса, символизирует угасание ненасытного голода (западного) общества потребления. Он образует антиполюс к такому же экстремальному культу вегетарианской жизни. Оба символизируют экстремальные путешествия эго богатого общества, отчуждённого от природы. Таким образом, зашкуренная голова мертвого агнца на "Натюрморте с мясом № 19" понимается как двусмысленная аллюзия на христианский символ Агнца Божьего, который здесь приносится в жертву не для того, чтобы взять на себя грехи мира, а для того, чтобы потакать культу потребления.


ФЕЙ-ДАНАУЭЙ ПО ПОНЕДЕЛЬНИКАМ


Курение и пьянство женщин, готовых применить насилие с размахиванием топорами или нарисованными ножами, выделяются чистыми белыми линиями на блестящей черной поверхности картинки. В сериале "Фэй Данауэй по понедельникам" Катарина Арндт работает с различными кинематографическими моделями, особенно из "Блевотины", в которой Фэй Данауэй играет алкоголичку. Художник ставит под сомнение эмансипирующее значение поп-культурных образов уверенных в себе и сильных женщин, чья активная роль связана с отрицательно коннотированными характеристиками, брутальным поведением, эротической физичностью.


Работы Катарины Арндт выглядят как фетишизация культуры потребления, которую художник как бы критикует. Основные материалы создают блестящие цветные поверхности, которые в цифровую эпоху выдвигают на первый план внешний вид и, таким образом, визуальный аспект здесь и сейчас. В своих работах художница ставит индивидуальный фокус здесь и сейчас на проверку, используя формы культа тела, фитнеса, плотского и консьюмеризма как символы эгоцентричной живости в позитивном обществе, противопоставляющем идею собственного мимолетия. Эта противоположная полярность выражается во многих работах художницы, например, когда она использует пластиковую фольгу для имитации поверхности камня, добавляет грубые бранные слова к прекрасным узорам вышивки, ретуширует татуировки как выражение индивидуальной идентичности, или купает фразы джайтгейста в божественном свете. В некоторых своих работах она также находит себя в амбивалентном образе женщины, которая показывает эмансипированных, активных и уверенных в себе личностей, которые, тем не менее, всегда привязаны к таким негативным качествам, как курение или выпивка, жестокое поведение или эротическая физическая сущность. Работы Катарины Арндт отражают многочисленные уровни поп-культуры и своей гладкой эстетикой безукоризненной поверхности символизируют не только позитивистскую культуру потребления, но прежде всего психологическую конституцию общества.

Используя и внедряя поп-культурные материалы и содержание в качестве фундаментальных элементов своих произведений, Катарина Арндт создает для зрителей уровень ориентира, на котором их собственные ценности могут быть поставлены под сомнение: Согласен ли я с представленным мне образом женщины? Мне правда стоит послушать своего психотерапевта? Имеет ли смысл ходить по магазинам, чтобы подавить мои заботы? Должна ли моя жизнь состоять из виагры и валиума? Должен ли я быть соблазнен блестящими поверхностями цифрового декаданса?

最後の生き残り

一見すると若くて美しいが、二見するとすでにクールだったり、権威主義的だったりする。"ファイナル・ガールズ "や "フェイ・ダナウェイ "シリーズでは、キャサリナ・アーントがフィルムスチルを使って、ハロウィン、スクリーム、エイリアン、テキサス・チェーンソーなどの有名なホラー映画の最後の(すべて女性の)生存者を描いている。このように、1970年代に「苦悩する乙女たち」のカウンターモデルとして登場したポップカルチャーのモチーフを拾い上げ、1992年にアメリカの映画学者キャロル・J・クローバーが初めて解説しています。女性はどちらも恐怖の擬人化として登場しますが、残忍な知性と行動力への絶賛を通じ、それぞれの映画の最後に勝利を収めます。ここでアーントは、20世紀後半の女性の役割理解とイメージの変化の勢いを振り返っている。

男性アーティストの作品では、残酷な女性、フェムズ・ファタールは、しばしば彼らの悪夢や夢として登場します。その一例が、残忍で性欲の強いアマゾンのトポスです。女性はすぐに男性のファンタジーや家父長文化のイメージとなり、フロイトが表現したように、人間存在の二つの極、すなわち死への切望とリビドーのための投影スクリーンとなる。
これとは対照的に、アルテミシア・ジェンティレスキのような芸術家の作品では、聖書の象徴的な主人公たちが、自律的で自給自足、内省的な女性として特徴づけられています。単純な分類(処女か娼婦か)に抵抗する重層的な女性像が伝わってくる。

Arndtでは、女性はハイブリッド、古典的に男性と女性のconnoted文字特性の合成、このように制御できない超人になります。作家のテクニック、スケッチ的な縮小、そしてクールな素材を用いて、ポートレートのような性質を持ちながらも、モチーフは元々のポップカルチャーの背景とつながっています。個人と量産品のアンビバレントな関係が生まれる。このようにして、アーティストは、時代遅れのジェンダーのハトメ思考の前に複雑さと多層性を置き、ジェンダーの議論に自分の役割を貢献しています。


-テレサ・ブラウアー


デジタル退廃の栄光の中で

鮮やかなスローガン、きらびやかなラインストーン、光沢のある車の塗料。カタリーナ・アーントの作品では、魅力的な表面がデジタル時代の生活を最も適切に象徴しています。超現実的で、同時に非物質的なオンラインの世界では、自分自身と購入することになっている商品の見た目だけが重要になります。彼女の作品では、退廃的な豊かな社会の現代的な大量消費の美学を誇張し、皮肉化し、ショッピングの狂乱の中で抑圧されなければならない、私たちの悩みや恐れ、特に私たち自身のはかなさの中にあるものを放射状に浮かび上がらせています。そのために、Katharina Arndtは「SHOP THE PAIN AWAY」のようなきらびやかなスローガンを制作したり、黒い光沢のある布にネオンカラーでソーセージや肉をステージに立てたり、大理石のホイルで「GOOGLE」を不死化したりしています。


テキスタイル


カタリーナ・アーントは、クールな名言や時事的な知恵を、キラキラとした文字や光り輝く文字で客観的に表現しています。キラキラと輝くラインストーンやカラーLEDを通して、言葉に強い視覚的な存在感を与えています。しかし、光と反射面はかろうじて存在する物理的な物質性を示しており、それはいわば内容物の重さを打ち消している。


ライトワークス


カタリーナ・アーントの光り輝く文章の断片は、アーティストが本来の文脈から離れて提示している現在のキャッチワードを取り上げています。私のセラピストは言った...」や「あなたはそうあるべきだ」のような作品は、特にインターネット上のソーシャルメディアのプラットフォームを背景に、アイデンティティの喪失と検索に対処し、常に異なる形態の自己ドラマ化を要求しています。FOLLOW ME」のネオン管で作られた高さ2メートルのレタリングも同様で、何もないところへ、あるいはぐるりと一周するように導かれる。他にも「誰が気にする」「それは私の問題ではない」などの作品は、現代のセルフフォーカスとそれに伴う共感性の喪失を象徴しています。下呂のための詩」では、テレビ、チーズバーガー、最新映画、セールという言葉が、現代の大量消費文化の根源的な要素を指している。透明なプレキシグラスだけでなく、異なる光源で構成された作品は、言葉の内容の短命性も反映した儚さを持っています。カタリーナ・アーントの作品は、情報が非物質的に入手可能であり、その寿命が保証されていないデジタル時代の儚さの象徴となっています。


ストラスからの手紙

きらびやかなラインストーンで作られたテキストオブジェは、消費文化の本質的な社会的意義を批判している。Produce / Consume / Die」では、ライフサイクルが商品化され、「SHOP THE PAIN AWAY」では、幸運な買い物をするという誤った思い込みから、ネガティブな感情や恐怖が市場化できずに抑圧されている現代のポジティブな社会に言及しています。この傾向は、製品の魅力的な外観だけがカウントされるインターネットの仮想世界によって強化されています。カタリーナ・アーントの作品「Shop online」「click here」「BUY NOW」もそれを狙ったもので、デジタルボタンに書かれた言葉だけが購買意欲をそそる内容になっている。アーティストは、これらのありふれたインターネットのスローガンを記念碑的に物質に変換し、皮肉にもバーチャルな消費者の世界を物理的なタンジビリティーの中に不滅化します。このように、作品はまた、作品の内容に焦点を当てるのではなく、ビッグネームや誇大広告に価値観が向けられているアートマーケットへの皮肉を込めたものでもあります。


マーブルウォールリリーフ


Katharina Arndtは、高価な大理石の表面を模したAlu-Dibondで作られたパネルにプラスチック箔を貼り付けています。その上には、「SAVE THE WORLD」のような些細な文章の断片をレリーフで不滅化し、「...I'm not in the mood to」を加えて、通常のグラフィティスプレーで一層に塗り重ねています。SMILING...when required "や "BORED TO DEATH...in paradise "などの作品では、さらに対照的なペアを集めています。私は誰なのか...GOOGLE...自分自身」や「SELFIE + ugly = SUGLIE」などの作品で構成される「GOOGLE yourself」シリーズで、カタリーナ・アーントは、グーグル可能なオンライン上のアイデンティティに依存した自己発見とアイデンティティ形成の問題を皮肉っています。バーチャル・リアリティ」シリーズの「LIVE on youtube」と「TV ? turn on my netflix」では、アーティストは現在のトレンドとそのメディアの一過性の意味を演じています。Netflixのようなオンライン映画ポータルの時代には、テレビはその日を持っていた。芸術品の壊れやすい物質性は、単に石の重厚さを装っているだけなので、この状態を反映している。形式的には、過去の意味を維持するための記念プラークを彷彿とさせる作品です。ここに描かれている内容や価値観と同じくらい壊れやすいものであることを証明しています。


図面


肉のある生活


シリーズ「Still Life With Meat」では、Katharina Arndtは黒い漆の上に鮮やかなマーカーとアクリル絵の具でソーセージや肉製品を描いています。ピンク、イエロー、オレンジ、レッド、ホワイトの濃淡で描かれたラインが、理想化された滑らかなモチーフを形成しています。それらは古風な静物のように透徹して構成されているように見えますが、現代の消費者のイメージをモデルにしており、膨らんだソーセージカウンターを連想させます。同シリーズのコンセプトモデルは、高級グリルメーカー「ウェーバー」の「グリルバイブル」をベースにしている。綺麗にドレープされた光沢のある肉のイメージが多数描かれたボリュームは、(西洋の)消費社会の飽くなき飢えの退廃を象徴しています。それは、同じように極端なビーガン生活のカルトの対極を形成しています。どちらも自然から疎外された豊かな社会の極端なエゴの旅を象徴している。このように、「Still Life With Meat #19」の死んだ子羊の皮を剥いだ頭は、キリスト教の象徴である神の子羊への曖昧な暗示として理解されている。


月曜日のフェイ・ダンナウェイ


斧やナイフを振り回して暴力を振るう喫煙者や飲酒者の女性たちが、光沢のある黒の絵面から真っ白なラインで目立っている。月曜のフェイ・ダナウェイ」シリーズでは、カタリーナ・アーントが様々な映画のモデルを手掛けており、特にフェイ・ダナウェイがアルコール依存症の女性を演じた「バーフライ」からは、そのモデルが登場しています。作家は、自信に満ちた強い女性の活躍が、ネガティブな意味合いを持つ特徴や残忍な行動、エロティックな身体性と結びついているポップカルチャーの描写の解放的な意味を問いかけています。


カタリーナ・アーントの作品は、作家が批判する消費文化のフェティシズムとして現れます。主流の素材は、デジタル時代の今ここのビジュアルを前面に押し出した光沢のある色の表面を作り出しています。彼女の作品では、身体崇拝、フィットネス、肉食、消費者主義などの形態を、自己中心的な生き生きとしたポジティブな社会の中での自己中心的な生きづらさの象徴として用いることで、今ここに焦点を当てた個人のあり方を試みている。プラスチックの箔を使って石の表面を模したり、美しい刺繍のパターンに粗い悪口を入れたり、個人のアイデンティティーを表現するために刺青を削ったり、時流のフレーズを神の光で浴びせたりと、この対極性は多くの作品で表現されています。彼女はまた、いくつかの作品の中で、解放された、活動的で自信に満ちた女性像の中に自分自身を見いだしています。カタリーナ・アーントの作品は、様々なレベルのポップカルチャーを反映しており、その表面の滑らかな美学は、ポジティヴな消費文化だけでなく、何よりも社会の心理的な構成を象徴しています。

カタリーナ・アーントは、ポップカルチャーの素材やコンテンツを作品の基本的な要素とすることで、鑑賞者が自らの価値観を問うことのできる参照レベルを作り出しています。提示された女性像に納得しているのか?本当にセラピストの話を聞くべきなのか?悩みを抑えるために買い物に行くのは意味があるのか?私の人生はバイアグラとバリウムで成り立っているべきなのでしょうか?デジタル・デカダンスの光沢のある表面に誘惑されるべきか?

最后的幸存者

第一眼看去年轻漂亮,但第二眼看去已是酷酷的甚至是专制的:在 "最后的女孩 "和 "菲-邓威 "系列中,卡塔琳娜-阿恩特用电影剧照塑造了《万圣节》、《惊声尖叫》、《异形》、《德州电锯》等著名恐怖电影中最后的(全部是女性)幸存者。因此,艺术家拾起了一个出现在20世纪70年代的流行文化主题,作为 "落难少女 "的反模式,美国电影学者Carol J. Clover在1992年首次描述了这个主题。她们都是作为恐惧的化身出现的,但在各自影片的结尾,通过她们狂热到残酷的智慧和行动的准备,取得了胜利。在这里,阿恩特反思了20世纪最后三分之一时期对女性角色和形象的理解变化的势头。

在男性艺术家的作品中,残酷的女性,女性杀手,经常作为他们的噩梦和/或梦想出现。其中一个例子就是亚马逊的拓荒者,野蛮且性欲极强。女人很快就成了男性幻想或父权文化的形象,也成了弗洛伊德所描述的人类生存的两极:对死亡的渴望和性欲的投影屏幕。
与此形成鲜明对比的是Artemisia Gentileschi等艺术家的作品,在这些作品中,圣经中的偶像主角被定性为自主、自立、自省的女性。多层次的女性形象被传达出来,拒绝简单的分类(处女或妓女)。

有了阿恩特,女人就成了混血儿,是经典的男性和女性内涵性格特征的综合体,从而成为不可控的超级人类。通过艺术家的技法,她的素描还原,以及所使用的酷炫材料,这些图案尽管具有肖像的性质,但仍然与它们原有的流行文化背景相联系。个人与大众产品之间产生了矛盾关系。通过这种方式,艺术家为性别辩论贡献了自己的一份力量,它将复杂性和多层次性置于过时的性别鸽派思维之前。


-Theresa Brauer


在数字颓废的荣耀中

明亮的标语、闪亮的水钻和闪亮的车漆:在Katharina Arndt的作品中,迷人的表面是数字时代生活最贴切的象征。在超真实同时又非物质的网络世界里,只有视觉上的外观才是最重要的--那就是我们自己和我们应该购买的产品。在她的作品中,艺术家夸张和讽刺了当代大众消费美学中的颓废富裕社会,并将一些事物带到了光鲜亮丽的表面,在购物狂欢中,我们的忧虑和恐惧,尤其是对自身短暂性的忧虑和恐惧,不得不被压抑。为此,Katharina Arndt设计了一些闪亮的标语,如 "SHOP THE PAIN AWAY",将香肠和肉类用霓虹灯的颜色布置在黑色闪亮的布料上,或者用大理石箔纸将GOOGLE永生化。


纺织品


Katharina Arndt用闪亮或发光的字体客观地舞台上的酷说和当前的智慧。通过闪亮的水钻或彩色LED,赋予文字强烈的视觉效果。然而,光和反射表面显示出一种几乎不存在的物理物质性,这就像抵消了内容的重量一样。


灯具


Katharina Arndt的发光句子片段采用了当前的流行语,艺术家将其呈现在远离其原始语境的地方。像 "我的治疗师说...... "或 "你应该是 "这样的作品,处理的是身份的丧失和寻找,尤其是在互联网社交媒体平台的背景下,不断要求不同形式的自我戏剧化。作品 "FOLLOW ME "中用霓虹灯管做成的两米高的字样也是如此,它要么通向虚无,要么绕着圈子。其他作品如 "谁在乎 "或 "那不是我的问题",象征着当代人的自我关注以及随之而来的同情心的丧失。在 "给盖洛的诗 "中,电视、芝士汉堡、最新电影和促销等词都是指当代大众消费文化的基本元素。这些作品由不同的光源和透明有机玻璃组成,具有短暂性的特点,也反映了文字内容的短暂性。卡塔琳娜-阿恩特的作品成为数字时代短暂性的象征,其信息也是非物质性的,而且其长久性也绝无保证。


斯特拉斯的文章

由闪闪发光的水钻制成的文字物件,批判了消费文化的本质社会意义。在 "生产/消费/死亡 "中,生命周期堕落为商品循环,而在 "SHOP THE PAIN AWAY "中,艺术家指的是对幸运购物体验的错误信念,从而指的是当代积极的社会,在这个社会中,消极的情感和恐惧被压抑,因为它们不能以市场化的方式被利用。这种趋势在互联网的虚拟世界中得到了加强,在这里,只有产品有吸引力的视觉外观才是最重要的。Katharina Arndt的作品 "网上购物"、"点击这里 "和 "现在购买 "也是针对这一点,它们唯一的内容是数字按钮上的文字,目的是刺激购买。艺术家将这些平庸的网络口号不朽地转化为素材,并以实物的形式讽刺了虚拟的消费世界。因此,这些作品也是对艺术市场的一种讽刺性暗示,艺术市场的价值取向是大牌和炒作,而不是关注作品的内容。


大理石墙体矫正


Katharina Arndt在Alu-Dibond制成的面板上贴上塑料薄膜,模仿昂贵的大理石表面。她在上面用浮雕的方式将一些琐碎的句子片段,如SAVE THE WORLD,加上"......I'm not in the mood to",用标准的涂鸦喷漆一层一层地涂抹在上面。在进一步的作品中,如 "微笑......当需要的时候 "或 "无聊至死......在天堂",艺术家收集了更多的对立面。在 "GOOGLE你自己 "系列中,Katharina Arndt以 "我是谁......GOOGLE......你自己 "或 "SELFIE + ugly = SUGLIE "等作品讽刺了自我发现和身份形成的问题,这取决于可谷歌的在线身份。在 "virtual REALITY "系列的 "LIVE on youtube "和 "TV?turn on my netflix "中,艺术家玩弄了当前趋势的意义和他们的媒体瞬时性。在网络电影门户如Netflix的时代,电视也有过这样的日子。艺术品脆弱的物质性反映了这种状态,因为它们只是佯装石头的庞大。从形式上看,这些作品让人联想到纪念牌匾,意在维护过去的意义。在这里,它们被证明是脆弱的,就像它们上面所描绘的内容和价值一样。


图纸


有肉的生活


在 "有肉的静物 "系列中,Katharina Arndt用明亮的马克笔和丙烯酸颜料在黑色漆面上绘制香肠和肉制品。粉色、黄色、橙色、红色、白色等深浅不一的线条构成了流畅、理想化的图案。它们通篇看似像老大师的静物画一样的构图,但它们是基于当代消费形象的模型,让人联想到鼓鼓的香肠柜台。该系列的概念模型是以豪华烤炉制造商韦伯的 "烤炉圣经 "为基础的。这卷书中,充斥着大量衣冠整齐、肉质光鲜的图片,象征着(西方)消费社会贪得无厌的饥饿感。它形成了对同样极端的素食生活崇拜的反极。两者都象征着一个富裕社会与自然疏离的极端自我旅行。因此,《带肉的静物#19》上的带皮的死羊头被理解为对基督教象征的上帝的羔羊的暧昧暗示,这里祭祀上帝的羔羊不是为了带走世人的罪孽,而是为了沉迷于消费崇拜。


周一的FAYE DUNAWAY(法耶-邓威)


抽烟喝酒的女人,准备用挥舞的斧头或拔出的刀子使用暴力,以纯白的线条从闪亮的黑色画面表面突出。在 "周一的菲-邓纳威 "系列中,卡塔琳娜-阿恩特与各种电影模式合作,尤其是《Barfly》中菲-邓纳威扮演的酒鬼。艺术家对流行文化中对自信和坚强的女性的描述的解放意义提出了质疑,这些女性的积极作用与负面内涵的特征、野蛮行为或色情的身体特征联系在一起。


卡塔琳娜-阿恩特的作品是作为艺术家所批判的消费文化的癖好出现的。主流材料创造了闪亮的彩色表面,使外观,从而使此时此地的视觉在数字时代凸显出来。在她的作品中,艺术家将个人对此时此刻的关注付诸实践,用身体崇拜、健身、肉体和消费主义等形式作为积极社会中以自我为中心的生活化的象征,反对个人短暂的想法。这种对立的两极性在艺术家的许多作品中都有体现,例如她用塑料箔模拟石头表面,在可爱的刺绣图案中加入粗俗的脏话,修饰掉纹身作为个人身份的表达,或者用神圣的光芒沐浴时代潮流的短语。在她的一些作品中,她也发现了自己的矛盾的女性形象,这些作品表现的是解放、积极、自信的个性,然而她们总是与吸烟或饮酒、野蛮的行为或色情的身体等负面品质联系在一起。卡塔琳娜-阿恩特的作品反映了流行文化的诸多层面,以其一尘不染的光滑美学,不仅象征着一种实证主义的消费文化,更重要的是象征着社会的心理构成。

通过使用和结合流行文化材料和内容作为其作品的基本元素,Katharina Arndt为观众创造了一个参考水平,在此基础上,他们自己的价值观可以被质疑。我是否同意呈现在我面前的女性形象?我真的应该听我的心理医生的话吗?去逛街压制自己的烦恼有意义吗?我的生活应该由伟哥和安定组成吗?我应该被数字颓废的光鲜表面所诱惑吗?

↑ Back to top ↑

Lachenmann Art Konstanz

Kreuzlinger Straße 4

78462 Konstanz

+49 7531 369 1371

Öffnungszeiten
Mo und Mi—Sa 11—18h
+ nach Vereinbarung

konstanz@lachenmann-art.com

Lachenmann Art Frankfurt

Hinter der Schönen Aussicht 9

60311 Frankfurt am Main

+49 69 7689 1811

Öffnungszeiten
Do—Sa 11—18h
+ nach Vereinbarung

frankfurt@lachenmann-art.com

Follow us on

Facebook Lachenmann Art
Instagram Lachenmann Art