Lachenmann Art

Katharina Arndt

Katharina Arndt, #basics(kitchen), 2018, 100x75cm, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, checkcheck (fruits), 2018, 100x75cm, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, being weak, 2017, 125x125x5cm, strass-plexi
Katharina Arndt, losing control, 2017, 113x80cm, strass, plexi, chains
Katharina Arndt, buy now, 2013, 40x100x5cm, strass-plexi, print
Katharina Arndt, shop online, 2013, 30x120x8cm, strass, laquor, styrodur
Katharina Arndt, diamant, 2017, 50x45cm, light hose, MDF, acrylic
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #1, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #10, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #11, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #12, 2016, 30x21cm, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #13, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #14, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #15, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #17, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #18, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #19, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #20, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #21, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #23, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #24, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #25, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #26, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #27, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #28, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #29, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #3, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #30, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #4, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #5, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #6, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #7, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, Faye Dunaway on Mondays #9, 2016, 21x30, marker, lacquer carton
Katharina Arndt, final girl  22, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  23, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  24, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl  25, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 27, 130x100cm, 2018, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 28, 130x100cm, 2018, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, final girl 29, 100x150cm, 2017, drawing, marker, lacquer-fabric
Katharina Arndt, GOOGLE yourself, 2015, 5-teilig, jeweils 110 x 90 cm, Klebefolie, Aludibond, Sprühfarbe
Katharina Arndt, my therapist said..., 2011, 20 x 120 cm, LEDs, Acrylglas,  Widerstände, Netzteil, Ketten
Katharina Arndt, shop the pain away, 2013, 90 x 140 x 5 cm, Strasssteine auf Acrylglas, Ketten
Katharina Arndt, still life with meat #28, 2017, 180 x 135 cm, Marker und Acrylfarbe auf Lackstoff
Katharina Arndt,not cry in public, 2011, 85 x 108 cm, LEDs, Acrylglas,  Widerstände, Netzteil, Ketten

Katharina Arndt lives and works in Berlin

born in 1977 in Oschatz, Germany


Group Exhibitions     


Art fairs


Education

2000—2005 study of Fine Arts at HBK Braunschweig

2006 Master of Fine Arts by John Armleder

Solo Exhibitions (Selection)

2016    Virtual Reality, ARD Hauptstadtstudio, Berlin, DE

2016    Final Girl, FB69 Galerie Kolja Steinröter, Münster, DE

2016    Eve+Adam, FB69 Galerie, Köln, DE

2016    Not Cry in PublicLarry, Berlin, DE

2014    Bored to death in Paradise, Gallery Majke Hüsstege, Hertogenbosch, NL

2014    No Hell - No Heaven, Hornsleth & Friends Gallery, Kopenhagen, DK

2013    Losing Control, FB69, Münster, DE

2011    My Therapist said..., FB69 Cologne, Köln, DE

2011    Beauty is the hardest drug, Two Window Project, Berlin, DE

2010   Once upon a time, bar babette, Berlin, DE

2010   Everything looks smaller from above, projekthaus, Hamburg, DE

Group Exhibitions (Selection)

2018    Sneaky Paradise, Lachenmann Art, Konstanz, DE

2017    Let´s buy it! - Kunst und Einkauf, Ludwiggalerie, Schloss Oberhausen, DE

2017    Ladies Night, Feinkunst Krüger, Hamburg, DE

2015    Fleischeslust, Museum Villa Rot, Burgrieden, DE

2015    Flesh & Blood, galerie t, Düsseldorf, DE

2015    von oben sieht alles kleiner aus, Kunsthaus Dahlem, Berlin, DE

2015    Death & Sexuality II, Schaufenster, Berlin, DE

2015    Saloon, Sexauer, Berlin, DE

2015    Death & Sexuality, FB69, Münster, DE

2014    Money works Part 2, Haus am Lützowplatz, Berlin, DE

2014    La Collectiva, galerie t, Düsseldorf, DE

2014    Crows, FB69, Münster, DE

2013    Pan Amsterdam, Gallery Majke Hüsstege, Amsterdam, NL

2013    You should be..., Petra Rietz Galerie, Berlin, DE

2012    End of the World, FB69, Münster, DE

2012    Last Orders, dorisberlin, Berlin, DE

2011     Zeitenwende, ARD Hauptstadtstudio, Berlin, DE

2011     The dead Girls Litany, FB69, Münster, DE

2011     ...so ein verschwenderisches Gefühl, dorisberlin, Berlin, DE

2010    Keep the Illusion alive, Videoholica, Varna, Bulgaria

2010    MOV, plusnull, Leipzig, DE

2010    Nadelarbeit, Vertretung des Landes Niedersachsen, Berlin, DE

Die letzte Überlebende

Auf den ersten Blick jung und schön, auf den zweiten aber bereits kühl oder sogar autoritär: In den Werkreihen „Final Girls“ und „Faye Dunaway“ portraitiert Katharina Arndt anhand von Filmstills die letzten (durchweg weiblichen) Überlebenden berühmter Horrorfilme wie zum Beispiel Halloween, Scream, Alien und Texas Chainsaw. Die Künstlerin greift damit ein popkulturelles Motiv auf, das in den 70er Jahren als Gegenmodell zur „Jungfrau in Nöten“ auftrat und erstmals 1992 von der amerikanischen Filmwissenschaftlerin Carol J. Clover beschrieben wurde. Die Frauen treten dabei sowohl als Personifikation von Angst auf, triumphieren aber dennoch am Ende des jeweiligen Films durch ihre rabiate bis brutale Intelligenz und Handlungsbereitschaft. Arndt reflektiert hier ein Momentum des sich verändernden Rollenverständnisses beziehungsweise Frauenbildes im letzten Drittel des 20. Jahrhunderts.

In den Werken männlicher Künstler erscheinen grausame Frauen, Femmes fatales, oftmals als deren Alb- und/oder Wunschtraum. Ein Beispiel ist der Topos der brutalen und hoch sexuell aufgeladenen Amazone. Die Frau wird schnell zum Abbild männlicher Fantasie respektive patriarchalischer Kulturen und Projektionsfläche für die beiden Pole menschlichen Seins, wie Freud sie beschrieb: Todessehnsucht und Libido.
Dem gegenüber stehen die Arbeiten von Künstlerinnen wie Artemisia Gentileschi, in denen die biblisch ikonografischen Protagonistinnen als autonome, autarke, selbstreflektierende Frauen charakterisiert werden. Ein vielschichtiges Frauenbild wird vermittelt das sich einer einfachen Einordnung (Jungfrau oder Hure) widersetzt.

Bei Arndt werden die Frauen zu Hybriden, zu einer Synthese aus klassischerweise männlich und weiblich konnotierten Charaktereigenschaften und somit zu unkontrollierbaren Über-Menschen. Durch die Technik der Künstlerin, ihre skizzenhafte Reduktion, und die verwendeten kühlen Materialien bleiben die Motive trotz ihrer Portraithaftigkeit ihrem ursprünglichen popkulturellen Hintergrund verbunden. Es entstehen ambivalente Bezüge zwischen Individuum und Massenprodukt. Die Künstlerin trägt auf diese Weise ihren Teil zur Genderdebatte bei, der Komplexität und Vielschichtigkeit vor ein überholtes Geschlechter-Schubladen-Denken stellt.


—Theresa Brauer


Im Glanz der digitalen Dekadenz

Leuchtende Slogans, funkelnder Strass und glänzender Autolack: In Katharina Arndts Arbeiten zählt die anziehende Oberfläche als treffendstes Sinnbild für das Leben im digitalen Zeitalter. In der hyperrealen und zugleich immateriellen Onlinewelt kommt es nur auf das visuelle Erscheinungsbild an – das von uns selbst und von den Produkten, die wir kaufen sollen. In ihren Werken überspitzt und ironisiert die Künstlerin die zeitgenössische Massenkonsum-Ästhetik einer dekadenten Überflussgesellschaft und bringt die Dinge an die strahlende Oberfläche, die es im Kaufrausch zu verdrängen gilt, unsere Sorgen und Ängste, vor allem die vor der eigenen Vergänglichkeit. Dafür schafft Katharina Arndt glitzernde Slogans wie SHOP THE PAIN AWAY, inszeniert Wurst und Fleisch in Neonfarben auf schwarzem Glanzstoff oder verewigt GOOGLE in Marmorfolie.

TEXTOBJEKTE


Coole Sprüche und aktuelle Weisheiten inszeniert Katharina Arndt objekthaft in glitzernden oder leuchtenden Schriftzügen. Durch die funkelnden Strasssteine oder farbigen LEDs erhalten die Worte eine starke visuelle Präsenz. Jedoch weisen Licht und spiegelnde Flächen eine kaum vorhandene physische Materialität auf, die das Gewicht der Inhalte gleichsam wieder aufhebt.


LIGHTWORKS


Katharina Arndts leuchtende Satzfragmente greifen aktuelle Schlagworte auf, die die Künstlerin fernab des ursprünglichen Kontextes präsentiert. Arbeiten wie „my therapist said…“ oder „you should be“ thematisieren den Verlust und die Suche nach Identität besonders vor dem Hintergrund von Social Media-Plattformen im Internet, die immer wieder andere Formen der Selbstinszenierung verlangen. Ähnliches gilt für den zwei Meter hohen Schriftzug aus Neonröhren der Arbeit „FOLLOW ME“, der entweder ins Nichts oder im Kreis herum führt. Weitere Arbeiten wie „Who cares“ oder „That’s not my problem“ versinnbildlichen die zeitgenössische Selbstfokussierung und den damit einhergehenden Empathieverlust. In „A poem for Gero“ verweisen die Worte TV, Cheeseburger, Latest Movie und Sale auf grundlegende Elemente der zeitgenössischen Kultur des Massenkonsums. Die aus unterschiedlichen Lichtquellen sowie durchsichtigem Plexiglas bestehenden Arbeiten weisen eine ephemere Qualität auf, in der sich auch die Kurzlebigkeit der Wortinhalte widerspiegelt. Katharina Arndts Arbeiten werden zu einem Sinnbild für die Vergänglichkeit des digitalen Zeitalters, dessen Informationen ebenfalls immateriell verfügbar sind und deren Langlebigkeit keinesfalls gesichert ist.


SCHRIFTEN AUS STRASS

Die Textobjekte aus glitzernden Strasssteinen kritisieren die essentielle gesellschaftliche Bedeutung der Konsumkultur. In „Produce / Consume / Die“ verkommt der Lebenskreislauf zum Warenkreislauf und in „SHOP THE PAIN AWAY“ verweist die Künstlerin auf den Irrglauben des glückbringenden Einkaufserlebnisses und damit auf die zeitgenössische Positivgesellschaft, in der negative Gefühle und Ängste verdrängt werden, weil sie nicht marktauglich verwertet werden können. Diese Tendenz verstärkt sich durch die virtuelle Welt des Internet, da dort nur das attraktive visuelle Erscheinungsbild eines Produktes zählt. Darauf zielen auch Katharina Arndts Arbeiten „Shop online“, „click here“ und „BUY NOW“ ab, deren einziger Inhalt die Worte auf digitalen Schaltflächen sind, die zum Kauf anregen sollen. Diese banalen Internetslogans überführt die Künstlerin monumental ins Materielle und verewigt die virtuelle Konsumwelt ironisch in physischer Greifbarkeit. Somit stellen die Arbeiten auch eine sarkastische Anspielung auf den Kunstmarkt dar, deren Werte sich an großen Namen und Hypes orientieren, statt sich auf die Inhalte der Werke zu konzentrieren.


MARMOR WANDRELIEFS


Auf Platten aus Alu-Dibond bringt Katharina Arndt Plastikfolie auf, die die Oberfläche von teurem Marmor imitiert. Darauf verewigt sie reliefartig triviale Satzfragmente wie SAVE THE WORLD, ergänzt um den Zusatz „…I’m not in the mood to“, den die Künstlerin mit handelsüblicher Graffiti-Sprühfarbe in einer Schicht aufträgt. In weiteren Arbeiten wie „SMILING…when required“ oder „BORED TO DEATH….in paradise“ versammelt die Künstlerin weitere Kontrastpaare. Sie verdeutlichen die Ich-Bezogenheit unseres Handels abhängig von der eigenen Stimmung sowie eine dekadente, weil übersättigte und zugleich gelangweilte Gefühlslage In der Serie „GOOGLE yourself“ mit Arbeiten wie „Who am I…GOOGLE.. yourself“ oder „SELFIE + ugly = SUGLIE“ ironisiert Katharina Arndt die Problematik der Selbstfindung und Identitätsbildung in Abhängigkeit von der googlebaren Online-Identität. In „LIVE on youtube“ und „TV ? turn on my netflix“ der Serie „virtual REALITY“ spielt die Künstlerin mit der Bedeutung von aktuellen Trends und ihrer medialen Vergänglichkeit. Der Fernseher hat in Zeiten von Online-Filmportalen wie Netflix ausgedient. Die fragile Materialität der künstlerischen Objekte spiegelt diesen Zustand wider, da sie steinerne Massivität lediglich vortäuschen. Die Arbeiten erinnern formal an Gedenktafeln, die die Bedeutung von Vergangenem aufrechterhalten sollen. Hier erweisen sie sich als genauso brüchig wie die auf ihnen dargestellten Inhalte und Werte.


ZEICHNUNGEN


STILL LIFE WITH MEAT


In der Serie „Still Life With Meat“ zeichnet Katharina Arndt Wurst- und Fleischwaren mit grellen Markierstiften und Acrylfarbe auf schwarzen Lackstoff. Linien in Rosa-, Gelb-, Orange-, Rot- und Weißtönen formen die glatten, idealisierten Motive. Sie erscheinen durch und durch komponiert wie altmeisterliche Stillleben, doch beruhen sie auf Vorlagen zeitgenössischer Konsumbilder und erinnern an prall gefüllte Wursttheken. Die gedankliche Vorlage für die Serie beruht auf der „Grillbibel“ des Luxusgrill-Herstellers Weber. Der mit zahlreichen Bildern von feinsäuberlich drapiertem, glänzendem Fleisch gefüllte Band symbolisiert die Dekadenz des unstillbaren Hungers der (westlichen) Konsumgesellschaft. Sie bildet den Gegenpol zum ebenfalls extremen Kult des veganen Lebens. Beide symbolisieren auf die Spitze getriebene Egotrips einer von der Natur entfremdeten Überflussgesellschaft. Somit versteht sich der gehäutete Kopf des toten Lamms auf „Still Life With Meat #19“ als doppeldeutige Anspielung auf das christliche Symbol des Lamm Gottes, das hier nicht geopfert wird, um die Sünden der Welt hinweg zunehmen, sondern um dem Konsumkult zu frönen.


FAYE DUNAWAY ON MONDAYS


Rauchende und trinkende Frauen, gewaltbereit mit geschwungenen Äxten oder gezückten Messern, heben sich in reinen, weißen Linien von der schwarz-glänzenden Bildfläche ab. In der Serie „Faye Dunaway on Mondays“ verarbeitet Katharina Arndt verschiedene filmische Vorlagen, vor allem aus „Barfly“, in dem Faye Dunaway eine Alkoholikerin spielt. Die Künstlerin hinterfragt die emanzipatorische Bedeutung von popkulturellen Darstellungen selbstbewusster und starker Frauen, deren aktive Rolle an negativ konnotierte Eigenschaften, brutale Verhaltensweisen oder erotische Körperlichkeit geknüpft ist.


Die Arbeiten von Katharina Arndt erscheinen als Fetische einer Konsumkultur, die die Künstlerin gleichsam kritisiert. Mainstream-Materialien erzeugen farbig-glänzende Oberflächen, die das Erscheinungsbild und damit das visuelle Diesseits im digitalen Zeitalter in den Vordergrund rücken. Die individuelle Fokussierung auf das Hier und Jetzt stellt die Künstlerin in ihren Arbeiten auf den Prüfstand, indem sie Formen von Körperkult, Fitness, Fleisches- und Konsumlust als Symbole für eine ichbezogene Lebendigkeit in einer Positivgesellschaft verwendet, die dem Gedanken and die eigene Vergänglichkeit entgegenstehen. Diese gegensätzliche Polarität kommt in vielen Arbeiten der Künstlerin zum Ausdruck, etwa wenn sie mit Plastikfolie eine steinerne Oberfläche vortäuscht, liebliche Stickmuster mit derben Schimpfwörtern versieht, Tattoos als Ausdruck von individueller Identität wegretuschiert oder Phrasen des Zeitgeistes in göttliches Licht taucht. Sie findet sich auch im zwiegespaltenen Frauenbild einiger Arbeiten wieder, das emanzipierte, aktive und selbstbewusste Persönlichkeiten zeigt, die doch stets an negative Eigenschaften wie Rauchen oder Trinken, brutale Verhaltensweisen oder erotische Körperlichkeit geknüpft sind. Katharina Arndts Arbeiten reflektieren zahlreiche Ebenen der Popkultur und symbolisieren mit ihrer glatten Ästhetik der unbefleckten Oberfläche nicht nur eine positivistische Konsumentenkultur, sondern vor allem die psychologische Verfasstheit der Gesellschaft.

Durch die Verwendung und Miteinbeziehung popkultureller Materialien und Inhalte als grundlegende Elemente ihrer Arbeiten, kreiert Katharina Arndt eine Bezugsebene für die Betrachter, auf der die eigenen Wertvorstellungen hinterfragt werden können: Bin ich einverstanden mit dem Frauenbild, das mir vorgesetzt wird? Sollte ich wirklich auf meinen Therapeuten hören? Macht es Sinn, shoppen zu gehen, um meine Sorgen zu verdrängen? Sollte mein Leben aus Viagra und Valium bestehen? Sollte ich mich verführen lassen von den glänzenden Oberflächen der digitalen Dekadenz?

 

—  Tina Sauerländer

Last woman standing

Young and beautiful at first glance, but cool or even authoritarian at second: in the series "Final Girls" and "Faye Dunaway" Katharina Arndt portrays the last (without exception female) survivors of famous horror films such as Halloween, Scream, Alien and Texas Chainsaw on the basis of film stills. The artist takes up a pop-cultural motive that appeared in the 1970s as counter-model to the "Virgin in Need". It was first described by the American film scholar Carol J. Clover in 1992. The women appear as personification of fear, but nevertheless they triumph at the end of the respective film through their rough to brutal intelligence and willingness to act. Arndt reflects a momentum of the changing understanding of roles and the image of women in the last third of the 20th century.

In many works of male artists cruel women, femmes fatales, often appear as their nightmare and/or dream. One example is the topos of the brutal and highly sexually charged Amazon. A woman quickly becomes the image of male fantasy or a reflection of patriarchal cultures thus projection screen for the two poles of human existence, as Freud described them: longing for death and libido.
In contrast, there are works of (female) artists such as Artemisia Gentileschi, in which the biblically iconographic protagonists are characterized as autonomous, self-sufficient, self-reflective women. These works impart a complex image of women that resists simple classification (virgin or whore).

Arndt depicts women who become hybrids, a synthesis of classically male and female connotated traits and thus uncontrollable super-humans. Through the artist's technique, her sketch-like reduction, and the cool materials used, the motifs remain connected to their original pop-cultural background despite their portraiture. Ambivalent relationships emerge between the individual and mass production. In this way, the artist contributes to a gender debate, which confronts complexity and multi layerdness with outdated gender stereotyping.


—Theresa Brauer




In the glory of digital decadence

 

Luminous slogans, sparkling rhinestones and shiny car body paint: in Katharina Arndt’s work, the alluring surface is a striking symbol of life in the digital age. In the hyperreal and intangible online world, only visual appearance matters—that of ourselves and the products we should buy. In her works, the artist exaggerates and ironizes the contemporary mass consumerist aesthetic of a decadent, abundant society. She brings things to the shining surface which are to be suppressed by binge buying, i.e. our worries and fears, especially those of our own mortality. Katharina Arndt creates glittering slogans like SHOP THE PAIN AWAY, staged neon colored sausage and meat upon black glossy fabric or GOOGLE immortalized in marble foil.


TEXT OBJECTS

Katharina Arndt presents cool sayings and current bits of wisdom in glittering or luminous lettering. Using the sparkling rhinestones or colored LEDs, the words have a strong visual presence. However, light and reflecting surfaces have a light physical materiality, which seemingly lightens the content.


LIGHTWORKS

Katharina Arndt’s bright sentence fragments capture the current slogans far from the original context. Work such as My therapist said… or You should be focus on the loss and the search for identity, especially against the background of online social media platforms and their constant demand of new forms of self-presentation. The same applies to the two-meter-high neon letters of the work FOLLOW ME. It leads either into nothingness or in a circle. Further works such as Who cares or That’s not my problem epitomize contemporary self-obsession and the accompanying loss of empathy. In A poem for Gero, the words TV, cheeseburger, latest movie and sale refer to basic elements of today’s mass consumerist culture. The work, consisting of different light sources as well as translucent Plexiglas, has an ephemeral quality also reflected in the ephemerality of the word’s content. Katharina Arndt’s works becomes a symbol for the transience of the digital age, whose information is intangible and whose longevity is by no means assured.


RHINESTONE LETTERING

Glittering rhinestone texts criticize the essential social significance of consumer culture. In Produce / Consume / Die, the life cycle degenerates into that of consumer goods. In SHOP THE PAIN AWAY, the artist refers to the misbelief of shopping one’s way to happiness and thus to a contemporary positive society. Here, negative feelings and fears are suppressed because they are not valued by the market. This trend has been amplified by the virtual world of the Internet, since only a product’s attractive visual appearance counts there. Katharina Arndt’s works Shop online, Click here and BUY NOW have the same aims, as their only contents are the words on digital buttons supposed stimulate purchases. These banal Internet slogans the artist monumentally transforms into the materiality and ironically immortalizes the virtual world of consumerism into the physical one. Thus, the work also sarcastically alludes to the art market whose values are based on big names and hype rather than focusing on the work’s content.


MARBLE RELIEF MURALS

Katharina Arndt applies plastic foil to aluminum Dibond plates which imitates an expensive marble surface. She then immortalizes trivial sentence fragments such as SAVE THE WORLD in relief, with the addition of “I’m not in the mood to” grafittied in a layer of commercial spray paint. In additional works such as SMILING…when required or BORED TO DEATH…in paradise, Katharina Arndt brings together further contrasts. She illustrates the ego-driven, as well as the personally mood dependent, decadent nature of commerce, in that it is both a satiating and boring emotional state. In the series GOOGLE yourself with works such as Who am I…GOOGLE…yourself or SELFIE + ugly = SUGLIE, Katharina Arndt ironizes the problem of self-discovery and identity formation dependent on the googleable online identity. In LIVE on YouTube and TV? Turn on my Netflix from the series Virtual Reality, the artist plays with the significance of current trends and their media transience. The television has become obsolete in times of online film portals like Netflix. The fragile materiality of the works reflects this state of affairs, since they merely pretend to be solid stone. Formally the works remind us of memorial tablets, which are supposed to maintain the significance of the past. Here, they prove to be as fragile as the content and values presented on them.


DRAWINGS


STILL LIFE WITH MEAT

In the series Still Life With Meat, Katharina Arndt draws sausages and meat products with bright markers and acrylic on black paint. Lines in pink, yellow, orange, red and white tones form smooth, idealized motifs. They shine through and are composed like old-fashioned still lives. Yet they are based on models of contemporary consumer images and are reminiscent of tightly filled sausage counters. The conceptual template for the series is based on the Grill Bible by Weber, the luxury grill manufacturer. The volume, filled with numerous pictures of finely draped, gleaming meats, symbolizes the decadence of the insatiable hunger of (western) consumer society. It forms the equally extreme cult of veganism at the opposite pole. Both symbolize the ego trips driven at the pinnacle of an overly abundant society alienated from nature. Thus, the skinned head of the dead lamb Still Life With Meat # 19 can be understood as an ambiguous allusion to the Christian symbol of the Lamb of God, which here is not sacrificed here to take away the sins of the world, but to indulge the cult of consumerism.


FAYE DUNAWAY ON MONDAYS

Smoking and drinking women, violent with curved axes or drawn knives, stand out in pure, white lines against the black-shining image surface. In the series Faye Dunaway on Mondays, Katharina Arndt processes various cinematic models. She focuses primarily on Barfly, in which Faye Dunaway plays an alcoholic. The artist questions the emancipatory significance of pop culture representations of self-assured and strong women, whose active role is connected to negatively connoted qualities, brutality, or eroticism.


The works of Katharina Arndt appear as fetish of consumer culture simultaneously criticized by the artist. Mainstream materials create shiny color surfaces that bring visual appearance and thereby the visual world of the digital age to the foreground. The individual focus on the here and now puts the artist to the test in her works. She uses forms of body worship, fitness, the lust for meat and consumerist desire as symbols for a self-centered vitality in a positive society which resist the notion of one’s transience. This opposing polarity is expressed in many of the artist’s works. For example, she imitates a stone surface using plastic foil, adorns lovely embroideries with strong curse words, removes tattoos as expressions of individual identity or puts Zeitgeist phrases into a religious light. It is also reflected in the dichotomous female image of some works. They show emancipated, active and self-confident personalities which are nevertheless tied to negative characteristics such as smoking, drinking, brutality or eroticism. Katharina Arndt’s works reflect numerous levels of pop culture. With their slick aesthetic and immaculate surfaces, they symbolize not only a positivist consumer culture, but above all the psychological hatefulness of society.

Through the use and inclusion of pop culture materials and content as fundamental elements of her work, Katharina Arndt creates a reference point for the viewer. Here, personal values can be questioned: do I agree with the female image presented to me? Should I really listen to my therapist? Does it make sense to go shopping to get rid of my worries? Should my life consist of Viagra and Valium? Should I be seduced by the shiny surfaces of digital decadence?

 

—  Tina Sauerländer

Le dernier survivant

Jeune et belle au premier regard, mais déjà cool ou même autoritaire au second : dans les séries "Final Girls" et "Faye Dunaway", Katharina Arndt utilise des images fixes pour représenter les derniers survivants (tous des femmes) de célèbres films d'horreur tels que Halloween, Scream, Alien et Texas Chainsaw. L'artiste reprend ainsi un motif pop-culturel apparu dans les années 1970 comme contre-modèle de "La demoiselle en détresse" et décrit pour la première fois en 1992 par la spécialiste américaine du cinéma Carol J. Clover. Les femmes apparaissent à la fois comme des personnifications de la peur, mais triomphent à la fin du film respectif grâce à leurs divagations à l'intelligence brutale et à leur volonté d'agir. Arndt réfléchit ici à la dynamique de l'évolution de la compréhension des rôles et de l'image des femmes dans le dernier tiers du XXe siècle.

Dans les œuvres des hommes artistes, les femmes cruelles, les femmes fatales, apparaissent souvent comme leur cauchemar et/ou leur rêve. Les topos de l'Amazone, brutale et très sexuelle, en sont un exemple. La femme devient rapidement une image de la fantaisie masculine ou des cultures patriarcales et un écran de projection pour les deux pôles de l'existence humaine, tels que Freud les a décrits : le désir de mort et la libido.
En revanche, dans les œuvres d'artistes comme Artemisia Gentileschi, les protagonistes iconographiques bibliques sont caractérisés comme des femmes autonomes, autosuffisantes et réfléchies. Une image des femmes à plusieurs niveaux est véhiculée, qui résiste à la simple classification (vierge ou putain).

Avec Arndt, les femmes deviennent des hybrides, une synthèse de traits de caractère classiques connotés masculins et féminins et donc des super-humains incontrôlables. Grâce à la technique de l'artiste, à sa réduction sommaire et aux matériaux utilisés, les motifs restent liés à leur contexte culturel d'origine malgré leur caractère portraituré. Des relations ambivalentes entre le produit individuel et le produit de masse sont créées. L'artiste apporte ainsi sa contribution au débat sur le genre, qui place la complexité et la multiplicité des couches devant une réflexion dépassée sur le genre.


-Theresa Brauer


À la gloire de la décadence numérique

Slogans lumineux, strass étincelants et peinture automobile brillante : dans l'œuvre de Katharina Arndt, la surface attrayante est le symbole le plus approprié de la vie à l'ère du numérique. Dans le monde en ligne hyperréel et en même temps immatériel, seule l'apparence visuelle compte - celle de nous-mêmes et des produits que nous sommes censés acheter. Dans ses œuvres, l'artiste exagère et ironise l'esthétique contemporaine de la consommation de masse d'une société d'abondance décadente et ramène à la surface rayonnante, qui dans la frénésie du shopping doit être réprimée, nos soucis et nos craintes, surtout ceux de notre propre fugacité. Pour ce faire, Katharina Arndt crée des slogans scintillants tels que SHOP THE PAIN AWAY, met en scène des saucisses et de la viande en couleurs néon sur du tissu noir brillant ou immortalise GOOGLE en feuille de marbre.


TEXTIBOJETS


Katharina Arndt met en scène des dictons cool et la sagesse actuelle objectivement dans des lettres scintillantes ou lumineuses. Grâce aux strass scintillants ou aux LED colorées, les mots ont une forte présence visuelle. Cependant, la lumière et les surfaces réfléchissantes présentent une matérialité physique à peine existante, qui annule en quelque sorte le poids du contenu.


LIGHTWORKS


Les fragments de phrases lumineux de Katharina Arndt reprennent des mots-clés actuels, que l'artiste présente loin de leur contexte d'origine. Des ouvrages comme "mon thérapeute a dit..." ou "vous devriez être" traitent de la perte et de la recherche d'identité, en particulier dans le contexte des plateformes de médias sociaux sur Internet, qui exigent constamment différentes formes d'auto-dramatisation. Il en va de même pour le lettrage de deux mètres de haut fait de tubes de néon dans l'œuvre "FOLLOW ME", qui mène soit dans le néant, soit autour d'un cercle. D'autres œuvres telles que "Who cares" ou "That's not my problem" symbolisent l'autocentrisme contemporain et la perte d'empathie qui l'accompagne. Dans "Un poème pour Gero", les mots TV, Cheeseburger, Dernier film et Vente font référence à des éléments fondamentaux de la culture contemporaine de la consommation de masse. Les œuvres, qui se composent de différentes sources de lumière ainsi que de plexiglas transparent, ont une qualité éphémère, dans laquelle se reflète également le caractère éphémère du contenu du mot. Les œuvres de Katharina Arndt deviennent un symbole de la fugacité de l'ère numérique, dont les informations sont également disponibles de manière immatérielle et dont la longévité n'est nullement assurée.


ÉCRITS DE STRASS

Les objets de texte en strass scintillants critiquent la signification sociale essentielle de la culture de consommation. Dans "Produire / Consommer / Mourir", le cycle de vie dégénère en un cycle de marchandises et dans "SHOP THE PAIN AWAY", l'artiste fait référence à la croyance erronée dans l'expérience chanceuse du shopping et donc à la société positive contemporaine dans laquelle les sentiments négatifs et les peurs sont réprimés parce qu'ils ne peuvent pas être exploités de manière commercialisable. Cette tendance est renforcée par le monde virtuel de l'Internet, où seule compte l'apparence visuelle attrayante d'un produit. Les œuvres de Katharina Arndt "Shop online", "click here" et "BUY NOW" s'inscrivent également dans cette optique, leur seul contenu étant les mots sur les boutons numériques censés stimuler l'achat. L'artiste transforme monumentalement ces banals slogans Internet en matière et immortalise ironiquement le monde virtuel de la consommation en tangibilité physique. Ainsi, les œuvres représentent également une allusion sarcastique au marché de l'art, dont les valeurs sont orientées vers les grands noms et les hypes au lieu de se concentrer sur le contenu des œuvres.


RELIEFS MURAUX EN MARBRE


Katharina Arndt applique une feuille de plastique sur des panneaux en alu-dibond, qui imite la surface du marbre cher. Elle y immortalise des fragments de phrases triviales comme Sauver le monde en relief, complétées par l'ajout "...je ne suis pas d'humeur à", que l'artiste applique en une seule couche avec de la peinture graffiti standard. Dans d'autres œuvres comme "SOURIE...quand il le faut" ou "ENFERMÉ À MORT...au paradis", l'artiste rassemble d'autres paires de contrastes. Dans la série "GOOGLE yourself" avec des œuvres telles que "Who am I...GOOGLE... yourself" ou "SELFIE + ugly = SUGLIE", Katharina Arndt ironise le problème de la découverte de soi et de la formation de l'identité en fonction de l'identité en ligne googleable. Dans "LIVE on youtube" et "TV ? turn on my netflix" de la série "virtual REALITY", l'artiste joue avec le sens des tendances actuelles et leur caractère éphémère. À l'époque des portails de cinéma en ligne comme Netflix, la télévision a fait son temps. La matérialité fragile des objets artistiques reflète cet état de fait, car ils ne font que feindre la massivité de la pierre. Formellement, les œuvres rappellent les plaques commémoratives, qui ont pour but de maintenir le sens du passé. Ils s'avèrent ici aussi fragiles que les contenus et les valeurs qui y sont représentés.


DESSINS


LA NATURE MORTE AVEC DE LA VIANDE


Dans la série "Still Life With Meat", Katharina Arndt dessine des saucisses et des produits à base de viande avec des marqueurs lumineux et de la peinture acrylique sur de la laque noire. Des lignes dans des tons de rose, jaune, orange, rouge et blanc forment les motifs lisses et idéalisés. Elles semblent composées de bout en bout comme des natures mortes de l'ancien temps, mais elles sont basées sur des modèles d'images de consommateurs contemporains et rappellent les comptoirs de saucisses bombés. Le modèle conceptuel de la série est basé sur la "Bible du grill" du fabricant de grills de luxe Weber. Le volume, rempli de nombreuses images de viande bien drapée et brillante, symbolise la décadence de la faim insatiable de la société de consommation (occidentale). Il constitue l'antipole du culte tout aussi extrême de la vie végétalienne. Tous deux symbolisent les voyages de l'ego extrême d'une société d'abondance aliénée de la nature. Ainsi, la tête écorchée de l'agneau mort sur la "Nature morte avec viande n°19" est comprise comme une allusion ambiguë au symbole chrétien de l'Agneau de Dieu, qui n'est pas sacrifié ici pour enlever les péchés du monde, mais pour se livrer au culte de la consommation.


FAYE DUNAWAY LE LUNDI


Des femmes fumant et buvant, prêtes à user de violence avec des haches balancées ou des couteaux tirés, se détachent en lignes blanches pures de la surface noire brillante de l'image. Dans la série "Faye Dunaway on Mondays", Katharina Arndt travaille avec différents modèles cinématographiques, notamment celui de "Barfly", dans lequel Faye Dunaway joue une alcoolique. L'artiste s'interroge sur la signification émancipatrice des représentations pop-culturelles de femmes sûres d'elles et fortes dont le rôle actif est lié à des caractéristiques à connotation négative, à un comportement brutal ou à une physicalité érotique.


Les œuvres de Katharina Arndt apparaissent comme les fétiches d'une culture de consommation que l'artiste critique, pour ainsi dire. Les matériaux courants créent des surfaces colorées brillantes qui mettent en avant l'apparence et donc le visuel ici et maintenant à l'ère du numérique. Dans ses œuvres, l'artiste met à l'épreuve l'accent individuel sur l'ici et maintenant en utilisant des formes de culte du corps, de remise en forme, de charisme et de consommation comme symboles d'une vivacité égocentrique dans une société positive qui s'oppose à l'idée de sa propre fugacité. Cette polarité opposée s'exprime dans de nombreuses œuvres de l'artiste, par exemple lorsqu'elle utilise des feuilles de plastique pour simuler une surface de pierre, ajoute des gros mots grossiers à de jolis motifs de broderie, retouche des tatouages pour exprimer l'identité individuelle ou baigne des phrases de l'esprit du temps dans la lumière divine. Elle se retrouve également dans l'image ambivalente des femmes dans certaines de ses œuvres, qui montrent des personnalités émancipées, actives et sûres d'elles-mêmes, qui sont néanmoins toujours liées à des qualités négatives comme le fait de fumer ou de boire, un comportement brutal ou une physicalité érotique. Les œuvres de Katharina Arndt reflètent de nombreux niveaux de la culture populaire et, avec leur esthétique lisse de la surface immaculée, symbolisent non seulement une culture de consommation positiviste, mais surtout la constitution psychologique de la société.

En utilisant et en incorporant des matériaux et des contenus de la culture pop comme éléments fondamentaux de ses œuvres, Katharina Arndt crée un niveau de référence pour les spectateurs sur lequel leurs propres valeurs peuvent être remises en question : Est-ce que je suis d'accord avec l'image de la femme qui m'est présentée ? Dois-je vraiment écouter mon thérapeute ? Est-il logique d'aller faire du shopping pour supprimer mes soucis ? Ma vie devrait-elle se composer de Viagra et de Valium ? Devrais-je être séduit par les surfaces brillantes de la décadence numérique ?

 

—  Tina Sauerländer

El último sobreviviente

Joven y bella a primera vista, pero ya guay o incluso autoritaria a segunda vista: En las series "Final Girls" y "Faye Dunaway", Katharina Arndt utiliza fotogramas de películas para retratar a las últimas supervivientes (todas mujeres) de famosas películas de terror como Halloween, Scream, Alien y Texas Chainsaw. El artista retoma así un motivo cultural pop que apareció en los años 70 como contramodelo de "La damisela en apuros" y que fue descrito por primera vez en 1992 por la estudiosa de cine americana Carol J. Clover. Las mujeres aparecen como personificaciones del miedo, pero triunfan al final de la respectiva película por su delirante inteligencia brutal y su disposición a actuar. Aquí Arndt reflexiona sobre el impulso de la cambiante comprensión de los roles y la imagen de la mujer en el último tercio del siglo XX.

En las obras de los artistas masculinos, las mujeres crueles, las mujeres fatales, a menudo aparecen como su pesadilla y/o sueño. Un ejemplo son los topos de la brutal y altamente sexualmente cargada Amazonia. La mujer se convierte rápidamente en una imagen de la fantasía masculina o de las culturas patriarcales y en una pantalla de proyección de los dos polos de la existencia humana, como los describió Freud: el anhelo de la muerte y la libido.
Esto se contrasta con las obras de artistas como Artemisia Gentileschi, en las que los protagonistas de la iconografía bíblica se caracterizan por ser mujeres autónomas, autosuficientes y autorreflexivas. Se transmite una imagen de varias capas de mujeres que se resiste a la simple clasificación (virgen o puta).

Con Arndt, las mujeres se convierten en híbridos, una síntesis de los rasgos de carácter clásicamente masculinos y femeninos connotados y, por lo tanto, en superhumanos incontrolables. A través de la técnica de la artista, su reducción incompleta, y los materiales fríos utilizados, los motivos permanecen conectados a su fondo cultural pop original a pesar de su naturaleza de retrato. Se crean relaciones ambivalentes entre el individuo y el producto de masa. De esta manera, la artista contribuye con su parte al debate sobre el género, que coloca la complejidad y la multiplicidad de capas antes de un pensamiento anticuado de encasillamiento de género.


-Theresa Brauer


En la gloria de la decadencia digital

Lemas brillantes, brillantes estrases y brillante pintura de coches: en la obra de Katharina Arndt, la atractiva superficie es el símbolo más adecuado de la vida en la era digital. En el mundo online hiperrealista y al mismo tiempo inmaterial, sólo importa la apariencia visual, la de nosotros mismos y la de los productos que se supone que debemos comprar. En sus obras, la artista exagera e ironiza sobre la estética de consumo masivo contemporáneo de una sociedad opulenta decadente y saca a la superficie radiante, que en el frenesí de las compras tiene que ser reprimida, nuestras preocupaciones y miedos, especialmente los de nuestra propia fugacidad. Para ello, Katharina Arndt crea eslóganes brillantes como SHOP THE PAIN AWAY, escenifica salchichas y carne en colores neón sobre tela negra brillante o inmortaliza a GOOGLE en papel de mármol.


TEXTIBOJETOS


Katharina Arndt pone en escena dichos frescos y la sabiduría actual objetivamente en letras brillantes o luminosas. A través de los brillantes diamantes de imitación o los LEDs de colores, las palabras tienen una fuerte presencia visual. Sin embargo, la luz y las superficies reflectantes muestran una materialidad física apenas existente, que por así decirlo anula el peso del contenido.


LIGHTWORKS


Los fragmentos de frases luminosas de Katharina Arndt retoman los tópicos actuales, que la artista presenta lejos de su contexto original. Trabajos como "mi terapeuta dijo..." o "deberías estar" tratan de la pérdida y búsqueda de identidad, especialmente en el contexto de las plataformas de medios sociales en Internet, que exigen constantemente diferentes formas de auto-dramatización. Lo mismo se aplica a las letras de dos metros de altura hechas de tubos de neón en la obra "SÍGUEME", que conduce a la nada o alrededor de un círculo. Otras obras como "A quién le importa" o "Ese no es mi problema" simbolizan el autoenfoque contemporáneo y la pérdida de empatía que lo acompaña. En "Un poema para Gero" las palabras TV, Cheeseburger, Última Película y Venta se refieren a elementos fundamentales de la cultura contemporánea de consumo masivo. Las obras, que consisten en diferentes fuentes de luz así como en plexiglás transparente, tienen una calidad efímera, en la que también se refleja el carácter efímero del contenido de la palabra. Las obras de Katharina Arndt se convierten en un símbolo de la transitoriedad de la era digital, cuya información también está disponible inmaterialmente y cuya longevidad no está en absoluto asegurada.


ESCRITOS DE STRASS

Los objetos de texto hechos de brillantes strass critican el significado social esencial de la cultura de consumo. En "Producir / Consumir / Morir" el ciclo de vida degenera en un ciclo de mercancía y en "COMPRAR PARA EVITAR EL DOLOR" el artista se refiere a la creencia errónea en la experiencia de compra afortunada y por lo tanto a la sociedad positiva contemporánea en la que los sentimientos negativos y los miedos son reprimidos porque no pueden ser explotados de manera comercial. Esta tendencia se ve reforzada por el mundo virtual de Internet, donde sólo cuenta el aspecto visual atractivo de un producto. Las obras de Katharina Arndt "Shop online", "click here" y "BUY NOW" también apuntan a esto, su único contenido son las palabras en los botones digitales que se supone que estimulan la compra. El artista transforma monumentalmente estos banales eslóganes de Internet en el material e irónicamente inmortaliza el mundo de consumo virtual en la tangibilidad física. Así, las obras también representan una alusión sarcástica al mercado del arte, cuyos valores se orientan hacia los grandes nombres y las hipótesis en lugar de centrarse en el contenido de las obras.


RELIEVES DE MÁRMOL EN LAS PAREDES


Katharina Arndt aplica láminas de plástico a los paneles de Alu-Dibond, que imitan la superficie de un costoso mármol. En ella inmortaliza fragmentos de frases triviales como SALVAR EL MUNDO en relieve, complementado con la adición "...no estoy de humor para", que el artista aplica en una capa con pintura estándar de graffiti en spray. En otras obras como "Sonriendo... cuando sea necesario" o "Aburrido de morir... en el paraíso" el artista reúne más pares de contrastes. En la serie "GOOGLE yourself" con obras como "Who am I...GOOGLE... yourself" o "SELFIE + feo = SUGLIE" Katharina Arndt ironiza sobre el problema del autodescubrimiento y la formación de la identidad en función de la identidad online googleable. En "LIVE on youtube" y "TV ? turn on my netflix" de la serie "Virtual REALITY" el artista juega con el significado de las tendencias actuales y su transitoriedad mediática. En tiempos de los portales de cine online como Netflix, la televisión ha tenido su día. La frágil materialidad de los objetos artísticos refleja este estado de cosas, ya que sólo simulan la masividad de la piedra. Formalmente, las obras recuerdan a las placas conmemorativas, que tienen por objeto mantener el significado del pasado. Aquí demuestran ser tan frágiles como el contenido y los valores representados en ellos.


DIBUJOS


LA NATURALEZA MUERTA CON LA CARNE


En la serie "Naturaleza muerta con carne" Katharina Arndt dibuja salchichas y productos cárnicos con marcadores brillantes y pintura acrílica sobre laca negra. Líneas en tonos de rosa, amarillo, naranja, rojo y blanco forman los suaves e idealizados motivos. Aparecen compuestas de principio a fin como antiguas naturalezas muertas magistrales, pero se basan en modelos de imágenes de consumo contemporáneas y recuerdan a los abultados mostradores de salchichas. El modelo conceptual de la serie se basa en la "Biblia de la Parrilla" del fabricante de parrillas de lujo Weber. El volumen, repleto de numerosas imágenes de carne pulcramente cubierta y brillante, simboliza la decadencia del hambre insaciable de la sociedad de consumo (occidental). Forma el antipolo del igualmente extremo culto de la vida vegana. Ambos simbolizan los viajes del ego extremo de una sociedad próspera alienada de la naturaleza. Así, la cabeza desollada del cordero muerto en "Bodegón con carne #19" se entiende como una alusión ambigua al símbolo cristiano del Cordero de Dios, que no se sacrifica aquí para quitar los pecados del mundo, sino para entregarse al culto de la consumición.


FAYE DUNAWAY LOS LUNES


Las mujeres fumadoras y bebedoras, dispuestas a usar la violencia con hachas o cuchillos, se destacan en líneas blancas puras de la superficie de la imagen negra brillante. En la serie "Faye Dunaway los lunes", Katharina Arndt trabaja con varios modelos fílmicos, especialmente de "Barfly", en la que Faye Dunaway interpreta a un alcohólico. El artista cuestiona el significado emancipador de las representaciones pop-culturales de mujeres seguras de sí mismas y fuertes, cuyo papel activo está vinculado a características de connotación negativa, comportamiento brutal o fisicalidad erótica.


Las obras de Katharina Arndt aparecen como fetiches de una cultura de consumo que el artista critica, por así decirlo. Los materiales convencionales crean superficies de colores brillantes que llevan la apariencia y por lo tanto lo visual aquí y ahora al primer plano en la era digital. En sus obras, la artista pone a prueba el enfoque individual del aquí y ahora, utilizando formas de culto al cuerpo, el fitness, el carnalismo y el consumismo como símbolos de una vivacidad egocéntrica en una sociedad positiva que se opone a la idea de la propia transitoriedad. Esta polaridad opuesta se expresa en muchas de las obras de la artista, por ejemplo, cuando utiliza láminas de plástico para simular una superficie de piedra, añade groseras palabrotas a encantadores patrones de bordado, retoca los tatuajes como expresión de la identidad individual o baña las frases del espíritu de la época con luz divina. También se encuentra en la imagen ambivalente de la mujer en algunas de sus obras, que muestra personalidades emancipadas, activas y seguras de sí mismas, que sin embargo siempre están ligadas a cualidades negativas como el fumar o el beber, el comportamiento brutal o la fisicalidad erótica. Las obras de Katharina Arndt reflejan numerosos niveles de la cultura pop y, con su suave estética de la superficie inmaculada, simbolizan no sólo una cultura de consumo positivista, sino sobre todo la constitución psicológica de la sociedad.

Al utilizar e incorporar materiales y contenidos de la cultura pop como elementos fundamentales de sus obras, Katharina Arndt crea un nivel de referencia para los espectadores, en el que se pueden cuestionar sus propios conceptos de valores: ¿Estoy de acuerdo con la imagen de las mujeres que se me presenta? ¿Debería realmente escuchar a mi terapeuta? ¿Tiene sentido ir de compras para suprimir mis preocupaciones? ¿Debería mi vida consistir en Viagra y Valium? ¿Debería ser seducido por las brillantes superficies de la decadencia digital?

 

—  Tina Sauerländer

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